Liquid Sky es una película de culto, de esas que tienen un montón de seguidores escondidos que la idolatran, entre los cuales me encontraréis a mí, aunque he de confesar que hasta ahora no había podido disfrutar de esta joya... siempre es mejor tarde que nunca y creo que la espera ha valido la pena.
En cuanto uno empieza a ver Liquid Sky ya sabe si le va a gustar o la va a detestar. Desde los primeros planos, Slava Tsukerman ya nos ofrece e una visión general de lo que vamos a ver durante las próximas dos horas. New wave, drogas, extraterrestres, sexo y underground. Si uno después de haber escuchado un par de minutos la repetitiva, pero a la vez intrigante y fascinante música que acompaña el filme, no le ha dado al botón de stop, puede acomodarse, relajarse y disfrutar de un viaje a los suburbios underground de los 80, donde los Davids Bowies campan por sus anchas en una ciudad donde han llegado los extraterrestres en busca de heroína.
Liquid Sky tiene influencias de la factoría Warhol, sobretodo de películas como "Chelsea Girls" o la trilogía compuesta por "Flesh", "Trash" y "Heat", que drigió Paul Morrissey y de las cuales hemos hablado en este blog anteriormente. La diferencia es que en aquellas había mucha improvisación y aquí parece que la hay pero todo está bastante más ensayado. La verdad que nunca huiese llegado a está conclusión si no hubiese visto los extras que lleva el dvd, donde se ve como los actores ensayan sus diálogos para que queden de forma natural.
El argumento de Liquid Sky es bastante interesante, aunque contado de una forma mas usual seguramente no hubiese tenido demasiado interés. Margaret es modelo bisexual y con aspecto andrógino, va maquillada como David Bowie en Aladin Sane. Un platillo volante aterriza en el techo de su piso. A partir de ese momento todos los que mantienen relaciones sexuales con ella mueren después de que un extraño cristal se clave en sus cabezas. Margaret descubrirá que unos extraterrestres se aprovechan de esa situación para matar. Mientras tanto un científico alemán llamado Johann está investigando y llega a la conclusión de que los extraterrestres vinieron a la tierra en busca de heroína, pero descubrieron que el cerebro humano crea una sustancia mucho mejor para ellos durante el orgasmo.
La verdad que he contado el argumento muy por encima ya que hay bastantes historias más dentro de todo esto, y sobretodo hay muchos personajes interesantes que tienen mucho peso dentro de la película. Jimmy, una especie de clon masculino de Margaret , a la cual odia a muerte, también andrógino y con pinta de david Bowie como ella. Adrian, la novia de Margaret quien le proporciona las drogas y que nos ofrece una impagable escena musical al principio del filme.
Los efectos especiales son bastante rudimentarios pero le dan un aspecto fascinante a a película. Las luces de colores que nos muestran como los extraterrestres entrar en el cerebro humano y extraen la sustancia para alimentarse, son tremendamente hipnóticas, parecen videocreaciones de arte pop que ya por si mismas tiene el suficiente interés como para ser vistas, independientemente del filme del que procedan. El platillo volante parece sacado de una peli de Ed Wood. La escenas en las que los extraterrestres hacen desaparecer los cadáveres, con una stop motion rudimentaria y cutre también son efectivas. Hay una escena que me encantó, que realmente no lleva ningun efecto especial pero que mediante pinturas fluorescentes crea una ilusión muy interesante. Vemos una escena totalmente oscura y la protagonista empieza a pintarse la cara con esas pinturas, poco a poco la pantalla se va iluminando con su rostro, apareciendo trazos de luz cuando sus manos se van pintando.
La música es parte importantísma en Liquid Sky, creando una atmósfera electrizante, repetitiva, hipnotizante, y hasta en algunos momentos desagradable. La banda sonora fue creada íntegramente con el primer sitentizador digital de la historia , el Fairlight CMI , por Brenda Hutchinson y Clive Smith. En algunos momentos puede recordar a Kraftwerk, aunque de forma bastante más rudimentaria. Aún así puedo asegurar que una vez vista la película uno lo primero que hace es ver si encuentra la banda sonora por algún sitio.
Liquid Sky no se encuentra disponible a la venta en castellano, aunque hay una espléndida edición en dvd de importación con suculentos extras, especialmente las grabaciones que hicieron en Betacam de los ensayos. Los que no podáis acceder a ese dvd tenéis esta opción, junto a esta otra y para poderlo entender aquí tenéis una ayuda.
Laurín es el debut tras las cámaras de Robert Sigl, un alemán que con tan solo 25 años, logró crear una fascinante película, llena de matices, que más bien parece la obra de un director consagrado, que una ópera prima. Con ella ganó el premio al mejor director novel en los Bavarian Films Awards, y fue el director más joven de la historia en conseguir dicho galardón. Por desgracia, posteriormente no ha vuelto ha ponerse tras las cámaras para dirigir otro largometraje, aunque ha rodado varias cosas interesantes para la televisión, como Stella Stellaris (1994), una sofisticada mini-serie rodada en Polonia, una especie de cuento de hadas plagado de humor y aventuras. También dirigió un episodio de una popular serie de acción (Alerta Cobra/Alarm für Cobra 11 - Die Autobahnpolizei) que fue comparado por la crítica con Twin Peaks. Destacar un slasher con toques de giallo tituladoSchool´s Out (Schrei - denn ich werde dich töten!, 1999), que cosechó tanto éxito que rodó una segunda parte (2001), y un par de episodios para la serie de ciencia ficción del canalShowtime, Lexx (1997 – 2000), protagonizada por Malcom McDowell. Actualmente está preparando su vuelta a la gran pantalla y tiene por lo menos cinco proyectos en mente.
El argumento gira en torno a Laurin, una niña de 9 años que vive con su madre y su abuela en un pequeño pueblo costero de Alemania a principios del sigo XX. Su padre es pescador y pasa largas temporadas fuera de casa. La muerte de la madre de Laurín hace que esta empiece a tener extrañas pesadillas sobre las circunstancias que rodearon esa muerte. Posteriormente un nuevo profesor llega a la escuela y este se siente atraído de forma extraña por la niña.
La ambientación que recrea esta película es maravillosa, los paisajes están muy bien retratados y la atmósfera que rodea al filme en tanto perturbadora como poética. Los exteriores se rodaron en Hungría y esa especie de neblina constante que hay, produce una sensación casi fantasmal. Nos encontramos ante una especie de cuento de hadas gótico con un personaje malvado parecido al hombre del saco. Robert Sigl consigue que el espectador tenga la sensación de estar viviendo una auténtica pesadilla, a pesar de no mostrarnos en ningún momento escenas realmente terroríficas, ni usar prácticamente efectos sangrientos ni asesinatos durante el metraje. Para recrear esa sensación se apoya principalmente en los personajes, en una oscura fotografía y en una espléndida música que en ocasiones nos recuerda al cine de Dario Argento. Laurín es una película pausada, algo surrealista por momentos y que ofrece un terror adulto basado más en las sensaciones que en los hechos que acontecen.
Las interpretaciones son realmente buenas, destacando la de Dóra Szinetár, en el papel de la niña, que transmite al espectador una extraña sensación difícil de definir, entre el miedo, la soledad, la tristeza o la melancolía. El resto del reparto aporta a sus papeles unos matices muy interesantes, sobretodo en sus expresiones, que en esta película son muy importantes.
Un aspecto destacable es el retrato psicológico que ofrece de estos personajes. Por ejemplo, el profesor, del que se nos cuenta que en su infancia mataba a los gatos y nos enseña que en la actualidad se queda espiando por la ventana la desnudez de un niño. También su forma de tratar a Laurin, sus miradas y forma de actuar en general, nos muestran a un personaje realmente extraño que consigue inquietar cada vez que aparece. Lo mismo se puede decir de su padre, el cura, que hace todo lo contrario a lo que predica en la Iglesia y tiene amantes por todo el pueblo. La abuela de Laurin, Olga, que se siente frustrada desde que su marido la abandonó por una prostituta y se pasa el día fumando hierba y bebiendo. El padre, el pescador, que antepone el trabajo a su familia.
Como todo debut cinematográfico, se pueden encontrar muchas influencias en esta película, aunque no por ello deja de poseer un estilo totalmente propio y personal. Se nota que el director conoce a fondo el cine de terror. Desde el expresionismo alemán, hasta los maestros del terror italiano, Bava, Freda y Argento pueden verse reflejados en Laurin. Otra de sus influencias puede ser el cine de David Lynch. A veces recuerda a películas como "Picnic en Hanging Rock" (Picnic at Hanging Rock, 1975), la magistral obra de culto de Peter Weir o a "Lemora" (1973) de Richard Blackburn, una especie de cuento sobrenatural que posee una atmósfera muy parecida o "Paperhouse" (1988), la película de Bernard Rose, que trataba sobre los sueños de una niña en la que se le parecía un niño en una casa de papel.
Para captar todos los aspectos de este filme es necesario verlo más de una vez. En un primer visionado podemos quedarnos con la esencia, pero hay algunos puntos que seguramente se comprenden mejor viéndola de nuevo. No es que se trate de una película complicada, pero puede que la primera vez uno la ve, pueda sentirse algo extrañado o descolocado. Una de las mejores películas europeas de terror de los últimos años y que merecería un reconocimiento mayor del que tiene. La gente que la ve suele incluirla rápidamente entre sus preferidas del género y eso es algo que habla perfectamente de su calidad.
Antes de empezar a hablar sobre esta película es imprescindible comentar un poco quien es Fernando Arrabal, un polifacético autor que a parte de hacer cine ha sido también dramaturgo, poeta y novelista, entre otras cosas. A los diez años ganó el concurso de superdotados de España. Después de conocer a André Breton, principal impulsor del movimiento surrealista, formó parte del "Grupo Pánico", integrado, a parte de él mismo, por el conocido director y escritor chileno Alejandro Jodorowsky, y Roland Topor, otro polifacético autor que se dedicaba a la pintura y la ilustración, su estilo era claramente macabro y surrealista, a parte de eso también era escritor, siendo "El quimérico inquilino", una de sus obras más conocidas, principalmente porque fue adaptada al cine por Roman Polanski. El nombre de este grupo venía en alusión al dios Pan, el cual se manifiesta a través de tres elementos básicos: terror, humor y simultaneidad. Según palabras del propio Arrabal el Movimiento Pánico es una intensa búsqueda por trascender la sociedad aristotélica y dejar un legado que impulse a la humanidad a una nueva perspectiva. "El pánico es la crítica de la razón pura, es la pandilla sin leyes y sin mando, es la explosión de 'pan' (todo), es el respeto irrespetuoso al dios Pan, es el himno al talento... loco, es el anti-movimiento, es el rechazo a la 'seriedad', es el canto a la falta de ambigüedad... Es el arte de vivir (que tiene en cuenta la confusión y el azar), es el principio de indeterminación con la memoria de por medio... Y todo lo contrario. Sus influencias eran el surrealismo y el dadaismo.
La faceta más conocida de Arrabal es la teatral, es el autor de teatro español más representado de la historia, se le ha comparado a Kafka y a Sade, aunque añadiendo un toque de humor macabro brutal. A pesar de ser un autor polémico y controvertido ha ganado numerosos premios importantes durante su carrera, destacando el Gran Premio de Teatro de la Academia Francesa y el Premio Espasa de Ensayo por su libro de memorias "La dudosa luz del día". Curiosamente Fernando Arrabal es más conocido fuera de España que dentro, él mismo dice "soy ligeramente famoso, pero completamente desconocido en España, creo que en este país nadie ha visto mi películas. Lo poco que se le conoce aquí es por haber aparecido borracho en el programa "La noche", con Sanchez Dragó. Según dice Arrabal lo que pasó ese día es que tenía mucha sed y confundió un vaso de chinchón con un caso de agua y se lo bebió de un trago, os dejo aquí el vídeo de ese programa.
"Viva la muerte" es la primera película de Fernando Arrabal de un total de seis, después de esta rodaría "Iré como un caballo loco (J´irai comme un cheval fou, 1973), en la que un hombre, huyendo de la policía va a un desierto donde se encuentra a un hombre incivilizado que tiene un enlace especial con la madre tierra, el prófugo convence al incivilizado para irse con él a París. Su tercera película fue "El árbol de Guernica" (L´Arbre de Guernica, 1975), su película más polémica y que estuvo prohibida durante mucho tiempo, os recomiendo este artículo acerca del filme. Su cuarto largometraje sería "La Odisea del Pacífico" (The Emperor of Peru, 1982), trata sobre dos niños que se encuentran de vacaciones en casa de su tío, pasan los días explorando los bosques junto a su amigo Hoang, un refugiado vietnamita,un día éste descubre una estación abandonada donde descansa una locomotora. Su quinto filme es "Cementerio de automóviles" (Le Cemitière de voitures, 1983), basada en una antigua obra suya, el paradigma de la Pasión de Cristo late a lo largo de un ritual que bordea lo lírico y lo cómico, lo grotesco y lo onírico, ofreciendo sobre un fondo deslumbrante y miserable de chatarra colorista la agonía de unos seres oprimidos y marginales que se entregan en alma y en cuerpo. Su último largometraje hasta el momento es "¡Adios Babilonia! (Baal Babilonia, 1993), en lo que es considerado por su autor un homenaje a Rimbaud, la película muestra una Nueva York llena de surrealismo a través de una joven marginal que pasa sus días ejerciendo de asesina en serie. Rodó también un séptimo largometraje dedicado a la vida de Borges titulado "Borges: Una vitta di poesia", desconozco en que año la rodó, tan solo sé que Arrabal la califica como su película más aburrida.
Si os interesa conocer más sobre este autor hay diversos sitios dedicados a su persona, con entrevistas y biografías, yo simplemente he hecho un pequeño resumen para presentarlo, tan solo decir que cuando era pequeño su padre fue condenado a muerte, se escapó y desapareció, nunca más se supo de él. La película que comento aquí "Viva la muerte" parte de una situación similar, por lo tanto podríamos decir que se basa un poco en su experiencia personal, la historia de su infancia.
Bien, "Viva la muerte" esta situada durante la guerra civil española, Fando es un niño que ve como su padre es arrestado por los militares después de que su madre lo delatara por colaborar con los rojos. Su madre es fascista y católica y Fando constantemente le hace preguntas acerca de la muerte y sobretodo del paradero de su padre, quién según su madre fue ejecutado. El niño en su mente crea imágenes sobre la ejecución de su padre, imágenes terriblemente macabras y desagradables. Esas imágenes van apareciendo durante toda la película, el niño no tan solo fantasea acerca de la ejecución de su padre, sino que cualquier situación que vive la representa en su mente cada de vez de forma mas brutal. Una de las escenas imaginarias del niño mas fuertes es por ejemplo cuando se imagina a un cura repartiendo armas entre los militares, el pueblo arremete contra el cura y le cortan los testículos, luego se los hacen tragar, el cura mientras se los come exclama , "mis huevos, que sabrosos son, gracias señor por este plato divino, Dios mio tu me lo has dado , tu te lo llevas, bendito sea tu nombre".
Constantemente se repiten ese tipo de imágenes, la imaginación de Fando crea un mundo lleno de estampas de extraños colores, su padre enterrado en la arena y unos jinetes corriendo hasta él hasta que le destrozan el rostro, su madre defecando encima de su padre mientras este está encerrado en una celda, su madre cortando la cabeza de una vaca y untándose la sangre por todo el cuerpo. Todas esas secuencias vienen acompañadas de una música que otorga de más extrañeza a lo que vemos, en algunas partes escuchamos una canción tarareada por un niño, tema principal de la película, en otras una saeta que entronca la ejecución con el calvario de Jesucristo visto por el folklore popular, y en otras ocasiones una hipnótica música imposible de clasificar. Os dejo aquí un ejemplo de una de esas secuencias, aunque no creáis que toda la película es como esto, hay un hilo argumental, si todo fuera así la verdad es que sería difícil de aguantar su hora y media de metraje.
Otra de las cosas interesantes de la película son las ilustraciones, durante los títulos de crédito vemos un montón de dibujos, cada cual más macabro que el otro, no he podido averiguar si esos dibujos están hechos por Roland Topor, aunque viendo la temática parece ser que así es. Esas ilustraciones se van repitiendo a lo largo de la película. Os dejo el vídeo de los títulos de crédito, donde también podréis escuchar la música del tema principal de la película, cancioncilla que no me he podido quitar de la cabeza desde que que la escuché.
Este tipo de cine surrealista se usaba principalmente para denunciar situaciones, que con otro tipo de cine más claro, serían muy difíciles de estrenar, Buñuel es un buen ejemplo, también lo sería la películas Macunaima que comenté en su día aquí. En "Viva la muerte" tenemos una clara denuncia al régimen franquista y la Iglesia Católica, aunque hay que tener en cuenta que Arrabal cree en Dios. La forma de plasmar el militarismo en España, los fusilamientos, ahorcamientos, torturas, es terriblemente duro. En una secuencia podemos ver como los militares fusilan en un cementerio a un grupo de revolucionarios, entre ellos se encuentra Federico Garcia Lorca, Fando presencia esa escena, luego su madre escupe encima de los cadáveres. En cuanto a la Iglesia, la ya mencionada escena del cura comiéndose sus testículos podemos añadir la escena de una monja convirtiéndose en cerdo en la retorcida mente de Fando, además se nos presenta a los creyentes como retrógrados, fanáticos e hipócritas, por lo tanto su mensaje es claramente izquierdista y contrario a la Iglesia católica. A consecuencia de todo esto la extrema derecha provocó un atentado , incendiando el cine donde se proyectaba la película.
Después de leer todo esto alguien podría pensar que "Viva la muerte" es un tostón con aire de denuncia política, y que solo es interesante para los cinéfilos intelectuales y para revolucionarios de la época. Bueno, pues seguramente si interese a ese tipo de gente, pero yo, no soy revolucionario ni soy intelectual y la película me ha encantado, tan solo por veré esas imágenes perturbadoras ya vale la pena, aunque no sepas que te están contando, aunque si yo, que soy bastante malo en historia, he captado bien el mensaje, seguro que alguien con un mínimo interés también lo entenderá.
El título de la película viene por el lema de los legionarios de Franco, "Viva la muerte, abajo la inteligencia", en relación a esa frase Arrabal dijo "Sólo un comunista hispano es más gilipollas que un fascista español". Curiosamente uno de sus amigos de esa época fue Pasolini, totalmente comunista en sus ideales, aunque Arrabal dice que con él tan solo hablaba de cine y de sexo.
Hace tiempo, cuando hablaba del "El topo" de Alejandro Jodorowsky dije que estaba considerada la biblia del lsd y que era la película preferida de John Lennon, bien, pues resulta que "Viva la muerte" es otra de sus películas preferidas, admiraba al personaje del padre de Fando, es decir, el padre De Fernando Arrabal. Pues resulta que John Lennon estaba silbando la nana de la banda sonora de la película en el festival de Cannes, algo que hizo que se conocieran y llegaran a fraternizar, llegando a desayunar juntos en la cama del hotel.
Ya que menciono de nuevo a Jodorowsky, los que conozcáis su filmografía sabréis que su debut cinematográfico fue "Fando y Lis", no es casualidad que el niño de "Viva la Muerte" se llame también Fando, ya que la película de Jodorowsky estaba basada en una obra de teatro de Fernando Arrabal, la historia de dos desvalidos que marchan hacia Tar con tres personajes.. por un incidente, Fando mata a Lis. Tras los honores fúnebres, los cuatro reanudan su camino. La obra presenta a dos personajes sobre los que proyectará Arrabal su teatro: el autor, Fernando (Fando) y su esposa Luce (Lis), con variaciones. Seguramente un día haré una reseña de Fando y Lis, un filme surrealista con claras influencias de Buñuel, Bergman y los cómics.
"Viva la muerte" posee algunas secuencias realmente desagradables, recuerdo una en que un niño coge unos gusanos vivos del suelo, se los pone dentro de un bocadillo y se los come; en otra secuencia extrañisima que no le veo el sentido vemos como a un hombre le rapan un trozo de cabeza, luego le hacen unos cortes, luego cogen un frasco de cristal y queman un papel dentro para hacer el vacío, luego se lo ponen encima de la herida para que succione la sangre, repitiéndolo varias veces más, todo ello sin ningún efecto especial, a ese hombre le cortaron de verdad, estoy casi seguro de ello. Otra escena realmente desagradable es cuando la madre de Fando corta la cabeza a un carnero, me parece que también sin efectos especiales, luego se una todo el cuerpo con la sangre y vísceras del animal.
Tenemos también algunas escenas que hoy en día serían difíciles de colar en un cine por su contenido "pedófilo" ; Fando se excita con su madre, en una escena la observa por una cerradura mientras esta parece masturbarse, Fando tiene una lagartija en las manos y empieza a besarla y acariciarla pensando que es su madre, finalmente le arranca la cabeza de un bocado al pobre bicho. En otra escena vemos como Fando azota a su madre desnuda, luego esta le coge los testículos. Luego también vemos como Fando chupa la lengua de un hombre o lame los labios de su abuelo muerto.
Tengo tantas imágenes dentro de la cabeza que estaría escribiendo horas sobre el tema, pero tampoco es cuestión de contarlo todo, aunque viendo lo largo que se ha hecho la reseña me parece que si que he contado demasiado. Tan solo os puedo decir, como ya he hecho en otras ocasiones, que este tipo de cine hay que saber verlo, no es cine divertido, ni entretenido, es un cine para observar y sentir, un cine para pensar y reflexionar, aunque seguro que para otros puede llegar a ser una cura para el insomnio.
Viva la muerte, como todas las películas de Arrabal, no ha sido editada en España en dvd, tan solo se encuentra de importación, aunque por suerte podemos conseguirla en la mulita, habiendo disponibles subtitulos en castellano.
Imaginaos por un momento que una persona de la noche a la maña se vuelve un cavernícola, deja su trabajo pierde su lenguaje, expresándose tan solo con gritos y gestos, huye de cualquier aspecto relacionado con la civilización, destrozando su casa y convirtiéndola en una especie de cueva y retorna a lo que son sus instintos más básicos, la supervivencia y el sexo. Ese es la premisa inicial de “Themroc, una fascinante película francesa protagonizada por un enorme Michel Piccoli con un claro mensaje anarquista y una feroz crítica al sistema y sociedad actuales.
Themroc es un filme extraño y surrealista, desde un inicio ya vemos que no nos encontramos ante una película normal. Un hombre, Themroc, se está preparando el desayuno, vemos con detalle como hace cada acción, de forma pausada y cotidiana, se le cae el café, lo recoge con un trapo sucio y lo pone de nuevo en la cafetera. La cocina está algo sucia, los platos sin lavar, el hombre empieza a toser, luego a aparece su mujer y le señala el reloj, es la hora de marcharse. En ese momento aparece una chica joven, es su hermana, va al lavabo y se acuesta de nuevo, Themroc la sigue y cuando está aparentemente dormida de nuevo la observa desnuda y empieza a olerle todo el cuerpo. Themroc sale de casa, se cruza con una vecina y cuando la chica está más arriba le mira las piernas. En todo este rato no se dice ni una sola palabra, tampoco hay música, tan solo sonidos. Themroc se dirige al trabajo, de camino va viendo imágenes de su vida rutinaria, cada día se prepara el desayuno de la misma forma, cada día su mujer le señala el reloj, cada día observa a su hermana desnuda y cada día se cruza con la vecina y le mira las piernas.
Llegado a este punto lo más normal es que uno quite la película, ver que ha pasado un cuarto de hora y solo hemos visto como un tío depravado que se excita con su hermana y acude al trabajo, es seguramente argumento suficiente como para decir basta y abandonar el visionado. Pues mal hecho, lo bueno está todavía por llegar, lo interesante aquí es ver como Themroc empieza a perder su instinto de civilización y se convierte en un cavernícola urbano, algo que ocurre después de que su jefe le eche una bronca por observar como éste se lo monta con su secretaria. El jefe lo llama a la oficina y este, acompañado por dos guardas va a la sala de espera donde esta la secretaria, Themroc se acerca a ella y mete su cabeza entre sus bragas, algo que extrañamente agrada a la chica. Después pide permiso para ir al lavabo, allí empieza a toser, después la tos se convierte en una especie de bramido, a partir de ahí Themroc habrá perdido su lenguaje.
Ahora que ya hemos visto un poco más puede que todavía nos sintamos con más ganas de quitar la película… ¿qué significa todo esto?, ¿por qué actúa de forma tan extraña la gente?, ¿Qué le pasa al hombre este que se pone a gritar de esa forma? Sin que tengamos tiempo de pensar apenas en ellos vemos como Themroc se dirige a su casa, y sin ninguna concesión le toca las tetas a su hija frente a su esposa, luego se va a una obra con la chica y recoge unos ladrillos con una carreta, los sube a su casa y se tapia dentro de su habitación luego derrumba la pared que da al exterior y lanza todos los objetos fuera, quedándose como si fuera una cueva.
Bueno, ¿a que esto parece ya mas interesante?. Realmente desde el momento en que Themroc destroza la pared de su habitación asistimos durante a una hora, a uno de los espectáculos más bizarros y delirantes que he visto en el cine durante mucho tiempo. Algunas de las escenas que veremos son extremas, tanto que son difíciles de digerir en un principio, y pueden llegar a causar hasta la carcajada. Tendremos canibalismo, orgías, incesto, surrealismo simbólico… en fin, que si en un principio parecía que esto iba a ser aburrido, parece que nos habíamos equivocado, esta película nos ofrece un cúmulo de situaciones, cada unas más delirante que la anterior que, si bien pueden irritar, molestar, fascinar o desconcertar, raro me parece que puedan aburrir ya que no hay tiempo de ello.
Themroc es una especie de sátira “antisocial”, nos muestra como una persona se enfrenta a un sistema, y como este sistema quiere eliminarlo, quiere esconderlo. Themroc consigue que algunos se unan a su causa, convirtiéndolos también en cavernícolas. En ese aspecto parece que estamos viendo una película de zombis, una familia formal que vive en frente poco a poco se convierte, Themroc despierta los más bajos instintos de las personas y consigue atraerlos hacia él.. Los zombies, es decir ellos, no son más que los desechos de la sociedad, la gente que nadie quiere ver, por eso como decía , cuando ven que no pueden eliminarlos, lo que hacen es esconderlo, tapiándolos en el interior de sus casas.
La crítica social es tan descarada que hasta se puede pasar por alto. Pone a caldo a la policía, al estado, al sistema de trabajo, al machismo y a los medios de comunicación, que intentan aprovecharse de la situación del protagonista para ganar audiencia. El hecho de que estos hechos estén mostrados de forma tan extraña y bizarra hace que en un principio pueda no apreciarse, pero realmente analizándolo un poco uno ve que se han explayado bien con todo.
La verdad es que es realmente difícil hablar de esta película, es ese tipo de cine que por mucho que cuentes nunca te vas a acercar a la experiencia que puede ser su visionado. Es una película que no es apta para todo el mundo, tienes que tener la mente abierta e intentar captar lo que te está diciendo el director, aunque si cierras los ojos y las ves como una simple obra surrealista también podrás disfrutar de algunas de sus delirantes escenas. Para mi es totalmente imprescindible. Es una película que hay que ver, por lo menos una vez en la vida, seguramente después de ellos veremos las cosas de diferente forma, ya sea para bien o para mal..
