Recomendaciones actuales: L´Ecole (Innocence), Lucile Hadzihalilovic, 2004

Una de mis películas preferidas es Picnic en Hanging Rock, de Peter Weir. Desde el día que la vi, mi forma de ver el cine cambió algo. No se porqué, pero esa película me hizo tener sensaciones que nunca había tenido frente una pantalla. Estuve mucho tiempo buscando filmes parecidos a ese sin éxito alguno, realmente la obra de Peter Weir era única e inclasificable. Cuando vi el otro día L´Ecole me lleve una grata sorpresa, el espíritu de Picnic en Hanging Rock parecía estar alojado dentro de ella, como si estuviera poseída por esas sensaciones que lograron emocionarme en su día.

Supongo que comparar ambas obras es inevitable, no hay duda que la directora, Lucile Hadzihailovic se inspiró en la película de Weir para rodar su primer largometraje, aunque la historia esté basada en una novela de Frank Wedekind titulada "Mine-Haha" (1888), que significa "aguas que rien", en un dialecto nativo.

El argumento de Innocence gira en torno a unas niñas de entre 6 y 12 años que viven en un internado. La película empieza cuando vemos a una niña, Iris, dentro de ataúd en una habitación. Un grupo de niñas lo está rodeando, la niña abre los ojos y sale del él, estas la acompañan aparentemente felices. Iris no sabe donde se encuentra, solo quiere ver a su familia, pero no tarda en comprender que nunca más los volverá a ver. En el internado se les enseña principalmente danza, aunque también biología. Unas reglas estrictas las obligan a permanecer en ese sitio, viven rodeadas por un muro y la única salida parece ser un río.

Innocence es una especie de fábula sobre la preservación de la inocencia, sobre el paso de la niñez a la madurez, una fábula sobre la educación de los niños, pero a parte de todo eso Innocence es una gran película llena de sentimiento y poesía, con unas bellísimas imágenes, con unas interpretaciones muy convincentes y realistas y una atmósfera realmente inquietante y a veces hasta terrorífica.

El unicornio (Black moon, Louis Malle, 1975)

Ficha técnica



Antes de empezar a hablar de El unicornio, habría que comentar un poco quien es Louis Malle, el director de esta película, ya que es importante conocer un poco su filmografía antes de aventurarse a su obra más extraña y personal.

El cine de Louis Malle frecuentemente ha ido envuelto de cierta polémica, en toda su filmografía ha tratado temas bastante escabrosos. En "Le souffle au couer" (1971), nos mostraba una extraña relación amorosa entre una madre y su hijo, un tema que llevaría más al límite Bernardo Bertolucci unos años después con "La luna" (1979). Otro de sus films más polémicos, es "Pretty Baby", en la que una jovencísima Brooke Shields ejerce la prostitución en un burdel. La actriz contaba con 12 años al hacer la película y apareció desnuda y en situaciones comprometidas. Otras de sus películas trataron la ocupación alemana en Francia "Au Revoir les Enfants" (1987), o las relaciones humanas "Le Feu Follet" (1963) o "Herida" (1992). En definitiva, su cine era bastante intimista y trataba tema sociales, aunque desde una perspectiva bastante objetiva, sin intentar influir demasiado sobre el espectador.

El hecho de hacer esta introducción es más que nada para mostrar la gran diferencia que hubo entre toda su obra cinematográfica y la película que hoy tratamos, "El Unicornio", que parece más bien un filme de Alejandro Jodorwsky que del propio Louis Malle. Muchos de los aficionados al cine de este director reniegan de esta película y muchos que no tragan su cine adoran El Unicornio. Veamos pues porqué digo esto.

El unicornio podría englobarse dentro del llamado cine surrealista, un cine que nos muestra personajes en situaciones extrañas, irreales u oníricas, aunque con un trasfondo que nos quiere enseñar algo. Cada espectador puede captar o no lo que en ese momento quería decirnos el autor. En está película hay varios mensajes que he podido captar, aunque globalmente se puede ver como una especie de critica a la humanidad en términos generales.

Nos encontramos en una especie de ucronía, es decir, que la acción transcurre en un mundo desarrollado por un acontecimiento que nunca ha ocurrido. En este caso ese acontecimiento es una guerra entre hombres y mujeres, de la cual la protagonista de esta historia, Lily, papel interpretado por Cathryn Harrisson está huyendo . En esa huida ve un unicornio, y luego se refugia en una granja que encuentra después de seguir a una mujer con un caballo.

Hasta el momento en que Lily se encuentra con el unicornio, no sabemos por que camino va a tirar la trama. Podemos pensar que el tema puede ser sobre esa guerra entre hombres y mujeres, la huida de la chica, los hombres la persiguen... había tema para un largometraje. Al principio podemos ver que Lily va vestida como un hombre para pasar desapercibida, ve como fusilan a un grupo de mujeres y es descubierta; por suerte puede huir. Todo eso queda de lado en el momento en el que vemos el unicornio, y sobretodo en el momento en que oímos unas flores sollozar cuando la chica las esta aplastando. Ha entrado en otro mundo, como Alicia en el país de las maravillas, y en eso mundo, aunque en ese país más que maravillas hay seres extrañamente retorcidos.

Si ya estaba en un mundo ucrónico en guerra, ahora ese mundo se ha tornado fantástico, y esa fantasía es cada vez mayor a medida que avanza la película. Por el camino se encuentra a un hombre colgado de un árbol rodeado de ovejas, estas parecen querer atacarla. Se encuentra también un grupo de niños desnudos corriendo tras un enorme cerdo. Al ver la granja entra en ella, es un refugio. Subiendo las escaleras se encontrara con el primero de los extraños personajes de esta historia, una anciana postrada en la cama que quiere agredirle. Esta mujer tiene un extraño aparato de radio por el que habla y dice que la chica está alucinando, que se piensa que está en guerra y que ha visto un unicornio.

El resto de personajes son , un joven, interpretado por Joe Dallesandro y su hermana melliza. El chico tiene la peculiaridad de que no habla y que tala árboles que sangran, la chica monta a caballo y da de mamar a la anciana. La verdad que pocas cosas más se pueden decir de ellos, tampoco se nos describen demasiado, tan solo los vemos en extrañas situaciones, como la de amamantar a la vieja, o enterrar un cadáver que estaba siendo comido por las gallinas. Otras cosas extrañas de la película es ver como la anciana tiene una rata enorme que habla, o al menos lo intenta.

El unicornio aparecerá de nuevo durante el transcurso de la película, y resulta ser muy diferente al ser mitológico que hemos visto en otras ocasiones. Aquí se nos muestra como un caballo feo, gordo y viejo, además habla.

Como esta película no tiene un hilo argumental claro, ni los personajes tienen demasiados detalles para explicar, ni el guión ofrece el suficiente juego como para seguir destripándolo, de lo que más puedo hablar sería del aspecto técnico. La fotografía de Sven Nykvist es uno de los puntos más destacables de la película. No en vano es considerado uno de los mejores directores de fotografía de la historia, ha trabajado con Igmnar Bergman y ha ganado dos Oscars, por "Fanny y Alexander" (1982) y "Gritos y susurros" (1973), ambas del director sueco.

En cuanto a las actuaciones, la protagonista, Kathryn Harrisson hace muy bien su trabajo, interpretando a esa especie de Alicia , transmitiendo al espectador esas sensaciones extrañas que vive rodeada de esos personajes peculiares. La anciana, interpretada por Therese Giehse borda un papel desagradable en todo momento y más difícil de interpretar de lo que parece, sus expresione. Luego tenemos a Joe Dallessandro, ese icono del movimiento gay que nunca ha sido buen actor, pero que en este caso, al no tener diálogo puede ofrecernos lo mejor de sí mismo. Por último tenemos a la hermana melliza, interpretada por Alexandra Stewart.

La música , escasa, incluye fragmentos del acto II de "Tristán e Isolda" (Wagner), canciones del coro infantil de Radio France y solos de piano. En la parte final de la película Lily se pone a tocar el piano y cantar rodeada de niños. Esa canción es realmente hipnótica, recuerdo que dura unas 10 minutos y si uno consigue entrar en esa escena puede resultarle fascinante.

El unicornio está disponible en dvd, editada por la filmoteca fnac, incluyendo un segundo dvd con un documental. Se puede conseguir facilmente por la red, habiendo subtítulos disponibles.


ESCENA DE LA PELICULA

Viva la muerte (Fernando Arrabal, 1971)

Ficha técnica


Antes de empezar a hablar sobre esta película es imprescindible comentar un poco quien es Fernando Arrabal, un polifacético autor que a parte de hacer cine ha sido también dramaturgo, poeta y novelista, entre otras cosas. A los diez años ganó el concurso de superdotados de España. Después de conocer a André Breton, principal impulsor del movimiento surrealista, formó parte del "Grupo Pánico", integrado, a parte de él mismo, por el conocido director y escritor chileno Alejandro Jodorowsky, y Roland Topor, otro polifacético autor que se dedicaba a la pintura y la ilustración, su estilo era claramente macabro y surrealista, a parte de eso también era escritor, siendo "El quimérico inquilino", una de sus obras más conocidas, principalmente porque fue adaptada al cine por Roman Polanski. El nombre de este grupo venía en alusión al dios Pan, el cual se manifiesta a través de tres elementos básicos: terror, humor y simultaneidad. Según palabras del propio Arrabal el Movimiento Pánico es una intensa búsqueda por trascender la sociedad aristotélica y dejar un legado que impulse a la humanidad a una nueva perspectiva. "El pánico es la crítica de la razón pura, es la pandilla sin leyes y sin mando, es la explosión de 'pan' (todo), es el respeto irrespetuoso al dios Pan, es el himno al talento... loco, es el anti-movimiento, es el rechazo a la 'seriedad', es el canto a la falta de ambigüedad... Es el arte de vivir (que tiene en cuenta la confusión y el azar), es el principio de indeterminación con la memoria de por medio... Y todo lo contrario. Sus influencias eran el surrealismo y el dadaismo.




La faceta más conocida de Arrabal es la teatral, es el autor de teatro español más representado de la historia, se le ha comparado a Kafka y a Sade, aunque añadiendo un toque de humor macabro brutal. A pesar de ser un autor polémico y controvertido ha ganado numerosos premios importantes durante su carrera, destacando el Gran Premio de Teatro de la Academia Francesa y el Premio Espasa de Ensayo por su libro de memorias "La dudosa luz del día". Curiosamente Fernando Arrabal es más conocido fuera de España que dentro, él mismo dice "soy ligeramente famoso, pero completamente desconocido en España, creo que en este país nadie ha visto mi películas. Lo poco que se le conoce aquí es por haber aparecido borracho en el programa "La noche", con Sanchez Dragó. Según dice Arrabal lo que pasó ese día es que tenía mucha sed y confundió un vaso de chinchón con un caso de agua y se lo bebió de un trago, os dejo aquí el vídeo de ese programa.







"Viva la muerte" es la primera película de Fernando Arrabal de un total de seis, después de esta rodaría "Iré como un caballo loco (J´irai comme un cheval fou, 1973), en la que un hombre, huyendo de la policía va a un desierto donde se encuentra a un hombre incivilizado que tiene un enlace especial con la madre tierra, el prófugo convence al incivilizado para irse con él a París. Su tercera película fue "El árbol de Guernica" (L´Arbre de Guernica, 1975), su película más polémica y que estuvo prohibida durante mucho tiempo, os recomiendo este artículo acerca del filme. Su cuarto largometraje sería "La Odisea del Pacífico" (The Emperor of Peru, 1982), trata sobre dos niños que se encuentran de vacaciones en casa de su tío, pasan los días explorando los bosques junto a su amigo Hoang, un refugiado vietnamita,un día éste descubre una estación abandonada donde descansa una locomotora. Su quinto filme es "Cementerio de automóviles" (Le Cemitière de voitures, 1983), basada en una antigua obra suya, el paradigma de la Pasión de Cristo late a lo largo de un ritual que bordea lo lírico y lo cómico, lo grotesco y lo onírico, ofreciendo sobre un fondo deslumbrante y miserable de chatarra colorista la agonía de unos seres oprimidos y marginales que se entregan en alma y en cuerpo. Su último largometraje hasta el momento es "¡Adios Babilonia! (Baal Babilonia, 1993), en lo que es considerado por su autor un homenaje a Rimbaud, la película muestra una Nueva York llena de surrealismo a través de una joven marginal que pasa sus días ejerciendo de asesina en serie. Rodó también un séptimo largometraje dedicado a la vida de Borges titulado "Borges: Una vitta di poesia", desconozco en que año la rodó, tan solo sé que Arrabal la califica como su película más aburrida.

Si os interesa conocer más sobre este autor hay diversos sitios dedicados a su persona, con entrevistas y biografías, yo simplemente he hecho un pequeño resumen para presentarlo, tan solo decir que cuando era pequeño su padre fue condenado a muerte, se escapó y desapareció, nunca más se supo de él. La película que comento aquí "Viva la muerte" parte de una situación similar, por lo tanto podríamos decir que se basa un poco en su experiencia personal, la historia de su infancia.



Bien, "Viva la muerte" esta situada durante la guerra civil española, Fando es un niño que ve como su padre es arrestado por los militares después de que su madre lo delatara por colaborar con los rojos. Su madre es fascista y católica y Fando constantemente le hace preguntas acerca de la muerte y sobretodo del paradero de su padre, quién según su madre fue ejecutado. El niño en su mente crea imágenes sobre la ejecución de su padre, imágenes terriblemente macabras y desagradables. Esas imágenes van apareciendo durante toda la película, el niño no tan solo fantasea acerca de la ejecución de su padre, sino que cualquier situación que vive la representa en su mente cada de vez de forma mas brutal. Una de las escenas imaginarias del niño mas fuertes es por ejemplo cuando se imagina a un cura repartiendo armas entre los militares, el pueblo arremete contra el cura y le cortan los testículos, luego se los hacen tragar, el cura mientras se los come exclama , "mis huevos, que sabrosos son, gracias señor por este plato divino, Dios mio tu me lo has dado , tu te lo llevas, bendito sea tu nombre".



Constantemente se repiten ese tipo de imágenes, la imaginación de Fando crea un mundo lleno de estampas de extraños colores, su padre enterrado en la arena y unos jinetes corriendo hasta él hasta que le destrozan el rostro, su madre defecando encima de su padre mientras este está encerrado en una celda, su madre cortando la cabeza de una vaca y untándose la sangre por todo el cuerpo. Todas esas secuencias vienen acompañadas de una música que otorga de más extrañeza a lo que vemos, en algunas partes escuchamos una canción tarareada por un niño, tema principal de la película, en otras una saeta que entronca la ejecución con el calvario de Jesucristo visto por el folklore popular, y en otras ocasiones una hipnótica música imposible de clasificar. Os dejo aquí un ejemplo de una de esas secuencias, aunque no creáis que toda la película es como esto, hay un hilo argumental, si todo fuera así la verdad es que sería difícil de aguantar su hora y media de metraje.




Otra de las cosas interesantes de la película son las ilustraciones, durante los títulos de crédito vemos un montón de dibujos, cada cual más macabro que el otro, no he podido averiguar si esos dibujos están hechos por Roland Topor, aunque viendo la temática parece ser que así es. Esas ilustraciones se van repitiendo a lo largo de la película. Os dejo el vídeo de los títulos de crédito, donde también podréis escuchar la música del tema principal de la película, cancioncilla que no me he podido quitar de la cabeza desde que que la escuché.







Este tipo de cine surrealista se usaba principalmente para denunciar situaciones, que con otro tipo de cine más claro, serían muy difíciles de estrenar, Buñuel es un buen ejemplo, también lo sería la películas Macunaima que comenté en su día aquí. En "Viva la muerte" tenemos una clara denuncia al régimen franquista y la Iglesia Católica, aunque hay que tener en cuenta que Arrabal cree en Dios. La forma de plasmar el militarismo en España, los fusilamientos, ahorcamientos, torturas, es terriblemente duro. En una secuencia podemos ver como los militares fusilan en un cementerio a un grupo de revolucionarios, entre ellos se encuentra Federico Garcia Lorca, Fando presencia esa escena, luego su madre escupe encima de los cadáveres. En cuanto a la Iglesia, la ya mencionada escena del cura comiéndose sus testículos podemos añadir la escena de una monja convirtiéndose en cerdo en la retorcida mente de Fando, además se nos presenta a los creyentes como retrógrados, fanáticos e hipócritas, por lo tanto su mensaje es claramente izquierdista y contrario a la Iglesia católica. A consecuencia de todo esto la extrema derecha provocó un atentado , incendiando el cine donde se proyectaba la película.



Después de leer todo esto alguien podría pensar que "Viva la muerte" es un tostón con aire de denuncia política, y que solo es interesante para los cinéfilos intelectuales y para revolucionarios de la época. Bueno, pues seguramente si interese a ese tipo de gente, pero yo, no soy revolucionario ni soy intelectual y la película me ha encantado, tan solo por veré esas imágenes perturbadoras ya vale la pena, aunque no sepas que te están contando, aunque si yo, que soy bastante malo en historia, he captado bien el mensaje, seguro que alguien con un mínimo interés también lo entenderá.



El título de la película viene por el lema de los legionarios de Franco, "Viva la muerte, abajo la inteligencia", en relación a esa frase Arrabal dijo "Sólo un comunista hispano es más gilipollas que un fascista español". Curiosamente uno de sus amigos de esa época fue Pasolini, totalmente comunista en sus ideales, aunque Arrabal dice que con él tan solo hablaba de cine y de sexo.



Hace tiempo, cuando hablaba del "El topo" de Alejandro Jodorowsky dije que estaba considerada la biblia del lsd y que era la película preferida de John Lennon, bien, pues resulta que "Viva la muerte" es otra de sus películas preferidas, admiraba al personaje del padre de Fando, es decir, el padre De Fernando Arrabal. Pues resulta que John Lennon estaba silbando la nana de la banda sonora de la película en el festival de Cannes, algo que hizo que se conocieran y llegaran a fraternizar, llegando a desayunar juntos en la cama del hotel.



Ya que menciono de nuevo a Jodorowsky, los que conozcáis su filmografía sabréis que su debut cinematográfico fue "Fando y Lis", no es casualidad que el niño de "Viva la Muerte" se llame también Fando, ya que la película de Jodorowsky estaba basada en una obra de teatro de Fernando Arrabal, la historia de dos desvalidos que marchan hacia Tar con tres personajes.. por un incidente, Fando mata a Lis. Tras los honores fúnebres, los cuatro reanudan su camino. La obra presenta a dos personajes sobre los que proyectará Arrabal su teatro: el autor, Fernando (Fando) y su esposa Luce (Lis), con variaciones. Seguramente un día haré una reseña de Fando y Lis, un filme surrealista con claras influencias de Buñuel, Bergman y los cómics.



"Viva la muerte" posee algunas secuencias realmente desagradables, recuerdo una en que un niño coge unos gusanos vivos del suelo, se los pone dentro de un bocadillo y se los come; en otra secuencia extrañisima que no le veo el sentido vemos como a un hombre le rapan un trozo de cabeza, luego le hacen unos cortes, luego cogen un frasco de cristal y queman un papel dentro para hacer el vacío, luego se lo ponen encima de la herida para que succione la sangre, repitiéndolo varias veces más, todo ello sin ningún efecto especial, a ese hombre le cortaron de verdad, estoy casi seguro de ello. Otra escena realmente desagradable es cuando la madre de Fando corta la cabeza a un carnero, me parece que también sin efectos especiales, luego se una todo el cuerpo con la sangre y vísceras del animal.



Tenemos también algunas escenas que hoy en día serían difíciles de colar en un cine por su contenido "pedófilo" ; Fando se excita con su madre, en una escena la observa por una cerradura mientras esta parece masturbarse, Fando tiene una lagartija en las manos y empieza a besarla y acariciarla pensando que es su madre, finalmente le arranca la cabeza de un bocado al pobre bicho. En otra escena vemos como Fando azota a su madre desnuda, luego esta le coge los testículos. Luego también vemos como Fando chupa la lengua de un hombre o lame los labios de su abuelo muerto.



Tengo tantas imágenes dentro de la cabeza que estaría escribiendo horas sobre el tema, pero tampoco es cuestión de contarlo todo, aunque viendo lo largo que se ha hecho la reseña me parece que si que he contado demasiado. Tan solo os puedo decir, como ya he hecho en otras ocasiones, que este tipo de cine hay que saber verlo, no es cine divertido, ni entretenido, es un cine para observar y sentir, un cine para pensar y reflexionar, aunque seguro que para otros puede llegar a ser una cura para el insomnio.



Viva la muerte, como todas las películas de Arrabal, no ha sido editada en España en dvd, tan solo se encuentra de importación, aunque por suerte podemos conseguirla en la mulita, habiendo disponibles subtitulos en castellano.

Themroc, el cavernícola urbano (Themroc, Claude Faraldo, 1973)

Ficha técnica


Imaginaos por un momento que una persona de la noche a la maña se vuelve un cavernícola, deja su trabajo pierde su lenguaje, expresándose tan solo con gritos y gestos, huye de cualquier aspecto relacionado con la civilización, destrozando su casa y convirtiéndola en una especie de cueva y retorna a lo que son sus instintos más básicos, la supervivencia y el sexo. Ese es la premisa inicial de “Themroc, una fascinante película francesa protagonizada por un enorme Michel Piccoli con un claro mensaje anarquista y una feroz crítica al sistema y sociedad actuales.




Themroc es un filme extraño y surrealista, desde un inicio ya vemos que no nos encontramos ante una película normal. Un hombre, Themroc, se está preparando el desayuno, vemos con detalle como hace cada acción, de forma pausada y cotidiana, se le cae el café, lo recoge con un trapo sucio y lo pone de nuevo en la cafetera. La cocina está algo sucia, los platos sin lavar, el hombre empieza a toser, luego a aparece su mujer y le señala el reloj, es la hora de marcharse. En ese momento aparece una chica joven, es su hermana, va al lavabo y se acuesta de nuevo, Themroc la sigue y cuando está aparentemente dormida de nuevo la observa desnuda y empieza a olerle todo el cuerpo. Themroc sale de casa, se cruza con una vecina y cuando la chica está más arriba le mira las piernas. En todo este rato no se dice ni una sola palabra, tampoco hay música, tan solo sonidos. Themroc se dirige al trabajo, de camino va viendo imágenes de su vida rutinaria, cada día se prepara el desayuno de la misma forma, cada día su mujer le señala el reloj, cada día observa a su hermana desnuda y cada día se cruza con la vecina y le mira las piernas.


Llegado a este punto lo más normal es que uno quite la película, ver que ha pasado un cuarto de hora y solo hemos visto como un tío depravado que se excita con su hermana y acude al trabajo, es seguramente argumento suficiente como para decir basta y abandonar el visionado. Pues mal hecho, lo bueno está todavía por llegar, lo interesante aquí es ver como Themroc empieza a perder su instinto de civilización y se convierte en un cavernícola urbano, algo que ocurre después de que su jefe le eche una bronca por observar como éste se lo monta con su secretaria. El jefe lo llama a la oficina y este, acompañado por dos guardas va a la sala de espera donde esta la secretaria, Themroc se acerca a ella y mete su cabeza entre sus bragas, algo que extrañamente agrada a la chica. Después pide permiso para ir al lavabo, allí empieza a toser, después la tos se convierte en una especie de bramido, a partir de ahí Themroc habrá perdido su lenguaje.


Ahora que ya hemos visto un poco más puede que todavía nos sintamos con más ganas de quitar la película… ¿qué significa todo esto?, ¿por qué actúa de forma tan extraña la gente?, ¿Qué le pasa al hombre este que se pone a gritar de esa forma? Sin que tengamos tiempo de pensar apenas en ellos vemos como Themroc se dirige a su casa, y sin ninguna concesión le toca las tetas a su hija frente a su esposa, luego se va a una obra con la chica y recoge unos ladrillos con una carreta, los sube a su casa y se tapia dentro de su habitación luego derrumba la pared que da al exterior y lanza todos los objetos fuera, quedándose como si fuera una cueva.


Bueno, ¿a que esto parece ya mas interesante?. Realmente desde el momento en que Themroc destroza la pared de su habitación asistimos durante a una hora, a uno de los espectáculos más bizarros y delirantes que he visto en el cine durante mucho tiempo. Algunas de las escenas que veremos son extremas, tanto que son difíciles de digerir en un principio, y pueden llegar a causar hasta la carcajada. Tendremos canibalismo, orgías, incesto, surrealismo simbólico… en fin, que si en un principio parecía que esto iba a ser aburrido, parece que nos habíamos equivocado, esta película nos ofrece un cúmulo de situaciones, cada unas más delirante que la anterior que, si bien pueden irritar, molestar, fascinar o desconcertar, raro me parece que puedan aburrir ya que no hay tiempo de ello.


Themroc es una especie de sátira “antisocial”, nos muestra como una persona se enfrenta a un sistema, y como este sistema quiere eliminarlo, quiere esconderlo. Themroc consigue que algunos se unan a su causa, convirtiéndolos también en cavernícolas. En ese aspecto parece que estamos viendo una película de zombis, una familia formal que vive en frente poco a poco se convierte, Themroc despierta los más bajos instintos de las personas y consigue atraerlos hacia él.. Los zombies, es decir ellos, no son más que los desechos de la sociedad, la gente que nadie quiere ver, por eso como decía , cuando ven que no pueden eliminarlos, lo que hacen es esconderlo, tapiándolos en el interior de sus casas.


La crítica social es tan descarada que hasta se puede pasar por alto. Pone a caldo a la policía, al estado, al sistema de trabajo, al machismo y a los medios de comunicación, que intentan aprovecharse de la situación del protagonista para ganar audiencia. El hecho de que estos hechos estén mostrados de forma tan extraña y bizarra hace que en un principio pueda no apreciarse, pero realmente analizándolo un poco uno ve que se han explayado bien con todo.



La verdad es que es realmente difícil hablar de esta película, es ese tipo de cine que por mucho que cuentes nunca te vas a acercar a la experiencia que puede ser su visionado. Es una película que no es apta para todo el mundo, tienes que tener la mente abierta e intentar captar lo que te está diciendo el director, aunque si cierras los ojos y las ves como una simple obra surrealista también podrás disfrutar de algunas de sus delirantes escenas. Para mi es totalmente imprescindible. Es una película que hay que ver, por lo menos una vez en la vida, seguramente después de ellos veremos las cosas de diferente forma, ya sea para bien o para mal..



TRAILER

Macunaíma, (Joaquim Pedro de Andrade, 1969)

Ficha técnica

A principios del siglo XX, un científico alemán estuvo en Brasil recopilando leyendas indígenas. Mario Andrade, fundador del Movimiento literario modernista de los años 20, y uno de los escritores brasileños más importantes de este siglo, leyó esas leyendas y se quedó, según sus propias palabras “desesperado de conmoción lírica”, ya que se dio cuenta que la cultura popular brasileña, siempre irreverente, cómica, y hasta subversiva en relación a los patrones morales hipócritas vigentes en diferentes épocas de la historia de Brasil, todavía conservaba su espíritu, sus historias y hasta sus personajes creados por los antiguos indígenas siglos atrás. Así es como nació el libro “Macunaíma”, que Mario Andrade escribió en tan solo una semana. De ese libró nació la película que voy a comentaros hoy, un filme de culto en Brasil pero desconocido en la mayor parte del mundo y totalmente inédito en España.





Si me pusiera ahora a hablar sobre la novela de Mario Andrade, seguramente haría que más de uno abandonara la lectura de esta reseña, no es plan ahora entrar en su contenido socio-político y etnológico, por lo tanto nos centraremos en lo que es la película en sí, pero tampoco dejando del todo abandonado el libro.



La película empieza con el nacimiento de Macunaíma, “Heroe de nuestra gente” según dice su hermano al cogerlo en brazos. Ya de inicio vemos que nos encontramos ante un filme extraño, la mujer que da a luz está interpretada por un nombre y pare el hijo como si estuviera cagando. El hijo que sale resulta ser un hombre de unos 40 años, aunque todos lo vean como un bebé. Ese niño resulta ser algo extraño, tiene deseos sexuales de adulto, su principal diversión es cortar la cabeza a las hormigas y hasta los 6 años no habla, y cuando lo hace lo primero que dice es “Ay que pereza”, frase que no dejará de decir durante todo el metraje.



“Macunaíma” es a simple vista un filme surrealista, sin sentido, plagado de extraños personajes que deambulan por la pantalla sin saber exactamente lo que hacen ni porqué lo hacen. Una excentricidad de unos cuantos chalados que no tenían nada mejor que hacer que perder el tiempo haciendo el payaso detrás de la cámara. Bien, esa es la sensación que uno puede tener si se mira tan solo fragmentos de la película, o alguien con la mente cerrada que no sepa (o quiera) buscarle un sentido. A mi el cine “político” nunca me ha llamado la atención, me gusta el cine más en su sentido artístico que en el moral, pero cuando uno se encuentra ante un producto tan extraño como este, con unos elementos artísticos que llaman la atención y que además nos ofrece cuna caricatura de la condición humana, parodiando y satirizando hasta el exceso temas socio-políticos, como pueden ser la violencia o el racismo, uno hace una excepción y se traga la película aunque no comprenda ni la mitad de lo que querría.



Al decir que no comprendo ni la mitad de lo que quería entender, me refiero a que seguramente una persona informada sobre la situación política de Brasil en la época en que esta retratada la película, comprenderá mucho más algunas cosas que alguien como yo a quien no está informado. De esa forma lo que he hecho es quedarme más con el aspecto mitológico de la película, que es realmente lo que trataba la novela y descubrir así algunos de los mitos del folklore brasileño que antes no conocía. La película mezcla mitos reales con apócrifos (inventados por el autor o cambiados a su manera), de esa forma se nos muestran de forma más cómica. Para un estudioso del tema puede resultar fascinante la cantidad de elementos que recoge la película, para alguien que no sabe del tema simplemente le fascina la extrañeza y surrealismo con que se nos muestra cada uno de estos mitos. Por ejemplo, el mito de la transformación de niño a hombre, donde se nos muestra como Macunaíma se convierte en principe después de fumarse un porro y fornica con su cuñada, o el mito de la transportación mágica de la casa, donde vemos como Macunaíma transporta a su madre a un lugar donde tiene escondidos vívieres.



Espero no haberme puesto pesado contando todo esto, pero es que, al no ver ninguna reseña en castellano en ningún sitio me ha parecido interesante comentar estas cosas, me parece una buena forma de presentar esta extraña película a un público que no tenga constancia de su existencia. Así, si alguien se decide a verla lo podrá hacer con otros ojos, intentado buscar esos mitos de los que he hablado.



A parte de todo lo que he contado la película posee más o menos un argumento. Macunaíma y sus dos hermanos emigran a la gran ciudad después de la muerte de su madre en busca de un amuleto de la suerte. Macunaíma, negro de nacimiento se vuelve blanco por el camino al ser decolorado por una especie de geiser, eso hará que le sea más fácil la vida en la ciudad que a sus hermanos. Allí se enamorará de una guerrillera urbana y tendrá un hijo, que resulta ser negro y también adulto cuando nace. Ambos mueren al explotar una bomba que iba a usar la madre. Luego Macunaíma conoce a un magnate capitalista que es poseedor del amuleto e intentará arrebatárselo usando distintas estrategias.



La verdad que es complicadísimo hacer una sinopsis sobre esta película, lo mejor es verla y que cada uno capte lo que pueda. Hay muchas secuencias que me fascinaron, algunas por sus diálogos, otras por sus situaciones, y algunas por su técnica. Hay una secuencia dentro de un garaje en el que hay un juego con la cámara dentro de unos ascensores que es una gozada, todo perfectamente coordinado y rodado del tirón. También me encanta la secuencia del final, con unas bodas de sangre con una piscina plagada de cadáveres, macabro, surrealista y fascinante. Podeís ver ambos videos al final de la reseña.

Esta película no es apta para cualquier espectador, es un cine extraño, cercano a las primeras producciones de Alejandro Jodorowsky, Fando y Lis, La montaña sagrada o "El topo", aunque con un sentido del humor que no tenía el chileno. También puede recordarnos al cine de Buñuel, que usaba el surrealismo para describir algunas situaciones políticas.




Como curiosidad decir que en la época en que se estrenó “Mcaunaíma” no estaba permitido enseñar los dos pechos de una mujer en el cine, pero si uno. Hay un montón de escenas en las que se ve el pecho de una mujer, pero siempre uno, el otro se mantiene escondido, una extraña ley de censura como tantas otras. Seguramente si la censura hubiese comprendido algunas de las cosas que denunciaba la película tan siquiera se hubiese dejado estrenar, pero como tan solo se fijaban en si salía un pecho o dos pues pasó el tijeretazo si problemas.



“Macunaíma” no está disponible en dvd en español, tampoco creo que se haya emitido nunca por televisión. Por suerte desde clan-Sudamérica tenemos disponible la película con una buena calidad de imagen y con subtítulos en castellano

VIDEOS

Escena del parking



Escena de la piscina