The Devil and Daniel Johnston es un documental que se acerca a la figura de este polifacético autor que se ha convertido en un personaje de culto. Con este documental, Jeff Feuerzeig ganó el premio al mejor director en el festival de Sundance en 2005. La música de Daniel Johnston es única y diferente a todo lo que uno pueda haber escuchado antes, y su personalidad paranoica le han llevado a lo más alto, pero también a lo más bajo que haya podido llegar un ser humano. Sus ataques de locura y su obsesión por el demonio han marcado una vida llena de extrañas circunstancias. Un artista que parece que se quiere autodestruir, pero al que los fans no le dejan.
Aunque uno no haya oído hablar nunca de Daniel Johnston, este documental le va a gustar, ya que te muestra de forma muy amena la evolución que ha seguido este artista, empezando por las películas que rodaba en super 8, hasta mostrarnos como llegó hasta la mtv o como Kurt Cobain lo dio a conocer al público general poniéndose una de sus camisetas.
Daniel Johnston tenía tanta creatividad en su interior que se le salió del cerebro y le volvió loco. Es una persona que constantemente necesita exteriorizar esa creatividad, por eso escribía canciones y cantaba, aun si saber ni cantar ni tocar la guitarra. También dibujaba, y eso si que se le daba bien, sus dibujos representaban algunas de sus canciones, aunque esas canciones lo que hacían eran exteriorizar sus sentimientos, muchos de ellos realmente dolorosos, sobretodo por un amor perdido que marcó toda su vida. Su obsesión por el fantasma Casper, por le Capitán America, por los boxeadores y sobretodo por el Diablo se ven reflejados en casi todas sus obras. En algunos de sus ataques de locura llegó a decir que el diablo lo perseguía, o que quería que los Beatles se juntaran de nuevo para formar una banda con él. También hizo que una anciana se tirara de un segundo piso y estrello la avioneta de su padre mientras los dos surcaban el aire. En muchos de sus conciertos tan solo toca tres canciones y se va, porque no tiene sentido del tiempo. Otras veces se pone a llorar, realmente pocas veces, o mejor dicho ninguna, he escuchado canciones interpretadas con tanto sentimiento. Aunque no sepas lo que dice lo intuyes y eso te pone los pelos de punta.
Las canciones de Daniel Johnston han sido versionadas por numerosas bandas, Tom Waits, Pearl Jam, Beck, Wilco, Yo la Tengo, Mercury Rev o The Flaming Lips entre otros. Seguramente se trate de uno de los cantautores mas importantes de todos los tiempos. Este documental le hace honor y nos muestra con cientos de fotografías, vídeos y grabaciones originales de audio, gran parte de su vida, acercándonos así a la evolución de su locura, y como no, de su genialidad.
Comentar que acaban de poner a la venta una edición de coleccionista con un montón de material adicional realmente interesante. Es una compra que vale la pena, ya que se trata casi con toda seguridad del mejor documental sobre una figura de la música rodado jamás. El disco de extras contiene todo esto:
Escenas eliminadas.
Premiere en Sundance.
Reencuentro de Daniel y Laurie.
Audiodiario de Daniel Johnston.
Emisión histórica a través de la WFMU.
Material filmado por Daniel Johnston.
Videos musicales.
Diseños de Daniel Johnston.
Audiocomentario del director y del productor (V.O.).
Incluye libreto con entrevista en exlusiva al director.
“Tommy es la única opera rock de la historia”. Eso es por lo menos lo que dice Ken Russell, director de esta pequeña joya de los 70 que voy a comentar hoy, una película que a parte de tener una soberbia banda sonora compuesta por Pete Townshend , es visualmente una maravilla. Para muchos es el peor musical de la historia, para mi uno de los mejores, ¿quién llevará razón?.
Supongo que antes de presentar la película, o el director es mejor comentar la obra “Tommy”. Se trata del cuarto álbum de estudio de “The Who”, el hecho de que esté considerado una opera rock es porque cuenta una historia mediante sus 24 temas, la historia de Tommy, un niño que se queda sordo ciego y mudo después de ver como es asesinado el amante de su madre a manos de su padre. (en la película sería al revés, quien moría asesinado es el padre). La historia contenía muchos elementos religiosos y espirituales debido a la influencia que le produjo el espiritualista Meher Baba a Townshend. Debido al éxito del disco, que dio a conocer al público en general a “The Who”, se les propuso llevar su adaptación al cine, ahí es donde entró en escena “Ken Russell”, un director conocido por involucrarse en proyectos arriesgados y personales.
Me parece interesante hacer una breve biografía sobre Ken Russell, un autor que está bastante mal considerado por la crítica y más todavía por el público, pero que tiene algunas películas de culto realmente interesantes. Ken Russell es un director británico que inició su trayectoria rodando documentales biográficos para la BBC. Sus buenas maneras le llevaron a rodar su primera película, “French Dressing (1964)”, bastante desconocida y difícil de localizar, posteriormente rodó “El cerebro de un millón de dolares (1967)”, una película de espionaje protagonizada por Michael Caine. Ambas películas tuvieron poco éxito comercial. Dos añosdespués, en 1969 fue cuando le llegó el éxito, con la película “Mujeres enamoradas”, una versión del clásico literario de D. H. Lawrence para la cual fue nominado al Oscar, Glenda Jack ganó el Oscar a la mejor actriz por su papel. . La película está considerada una de las más sensuales rodadas jamás. Aquí Ken Russell ya empezó a mostrar su universo tortuoso, barroco y sofisticado.
En 1971 es cuando tenemos su primera película realmente extraña, maldita y de culto “The Devils”, recortada toalmente por los censores en su estreno, estaba basada en la obra The Devils of Loudun (1952) de Aldous Huxley, conocido sobretodo por haber escrito “Un mundo feliz”. Hoy en día esta película está desaparecida, el negativo original de la película lo tienen los Hermanos Warner y no quieren cederlo. Hay varias ediciones cortadas, por ejemplo la que salió en España en vhs, aunque circulan por ahí algunos screeners o copias piratas de la versión íntegra con bastante mala calidad de imagen.
Otras de sus películas interesantes son “Viaje alucinante al fondo de la mente (1980), una película sobre un experimento científico con William Hurt como protagonista, algo irregular, pero realmente interesante. Destacar también una de sus películas más psicotrónicas “La guarida del gusano blanco (1989), protagonizada por Hugh Grant y considerada una de las peores películas de la historia, aunque a mi particularmente me encanta. Ken Russell tiene muchas más películas y hay muchas cosas interesantes para contar acerca de su figura, quizás si algún día reseño otra de sus pelis me adentré un poco más en su biografía.
Cuando un productor le ofreció dirigir “Tommy” este no tuvo claro si aceptar el proyecto, a Ken Russell no le gustaba el rock, además no sabía lo que era una opera rock, le dijo al productor que le diera un día para averiguar lo que era luego se reunió otra vez con el director, le pidió el guión y al leerlo le recordó un frustrado antiguo proyecto suyo titulado “The angels” que trataba sobre las falsas religiones, eso le hizo decidirse por aceptar la propuesta, aunque también ayudo porque se hizo una versión orquestada de Tommy ya que él es un gran entusiasta de la música clásica.
Después de leer el guión vio que a la historia le faltaban algunas cosas, como opera rock podía pasar, pero como película le faltaba información, por lo que le pidió a Pete Townsend, compositor de la obra y guitarrista de The Who. que añadiera un prólogo y algunas canciones más para su adaptación a la gran pantalla. A a algunos de los fans del album de “The Who” no les gustó demasiado que se introdujeran esos cambios, además como dije al principio se cambió un detalle del argumento, haciendo que quien muriera asesinado fuera el padre de Tommy en vez del amante de su madre. Según dice Ken Russell, ese cambio fue porque le pareció que para un niño era mucho más traumático ver morir a su padre. Realmente el niño pensaba que este ya estaba muerto ya que había perecido en la guerra en un accidente de aviación, pero este regresa a casa con el rostro quemado pillando a su mujer con su amante en la cama, luego el niño ve toda la escena, lo asesinan con un candelabro y Tommy se queda traumatizado, ahora es sordo, ciego y mudo.
“Tommy” no tiene diálogos, todas las frases pronunciadas son cantadas, cuando no hay diálogo se oye música de fondo, realmente parece un video clip de dos horas de duración, su estética y la forma de contar la historia no son nada convencionales. Roger Daltry, cantante de The Who, quien interpreta a Tommy, dijo en una entrevista que esta película fue precursora de la MTV.
En cuanto al argumento, pues decir que después de que Tommy protagonice esa escena y se quede mudo y ciego veremos como se ha hecho mayor, su madre sigue con el amante y Tommy no ha experimentado ninguna mejoría. Su madre se siente culpable e intenta curarle por todos los modos posibles, Lo lleva a una extraña Iglesia donde hay un predicador, interpretado por Eric Clapton, que venera a Marilyn Monroe. El cura en vez de repartir ostias reparte tripis. El sitio está plagado de gente con disfunciones, paralíticos, retrasados, todos van pasando al lado de una estatua de la actriz para tocarla y curar sus males. El remedio no funciona y lo llevan a “La reina del ácido”, papel interpretado por Tina Turner, una mujer que meterá a Tommy dentro de un extraño artilugio y le inyectará drogas para intentar curar su mal; el invento tampoco funcionará…
Curiosamente Tommy sufre una extraña fascinación por los espejos, se queda parado en frente de ellos como examinando su rostro. En una escena su reflejo sale del espejo y lo guía hasta un cementerio de coches, allí encuentra una maquina de pinball, se pone a jugar y resulta que es un experto en el juego. Su madre y su amante se dan cuenta y ven en ello una posibilidad de hacer negocio y lo inscriben en campeonatos. Tommy se convierte en el rey del pinball después de participar y ganar el campeonato del mundo enfrentadose al campeón mundial, interpretado por Elton John. Gracias a ello Tommy se vuelve rico y famoso, y su madre y amante se aprovechan de la situación para enriquecerse. Su madre se siente culpable y en un ataque de locura lanza a Tommy hacia el espejo cuando ve que ese sigue mirándose en él. El espejo se rompe y Tommy es liberado de su prisión, ahora ya puede ver , oir y cantar. La gente, después del milagro acude en masa a su casa, venerándolo como a un Dios, todos le siguen como su lider espiritual. Asi surge el llamado “Centro de vacaciones Tommy” donde se concentra toda la gente y que no es más que un reclamo comercial para generar dinero.
Bueno, he contado casi toda la película, aunque no creo que por ello pierda interés para quien no la haya visto, me he dejado muchos detalles, como el abuso sufrido por Tommy por parte de su primo y su tío, sobretodo este último que abusa sexualmente de él en una escena plagada de humor negro. De todas formas lo interesante de esta película, más que la historia en si, que es bastante interesante, es la música y la puesta en escena. Si no te gustan las excentricidades y los excesos quizás esta película no sea para ti. Si no te gusta la música de “The Who” tampoco creo que disfrutes demasiado con la película y si no te gustan los musicales, pues puede que este si te guste porque es bastante diferente a todos.
Como he dicho uno de los aspectos más importantes es la puesta en escena, los decorados y el vestuario. Es muy importante en ese aspecto el trabajo que realizó el diseñador de producción, Paul Dufficey, un artista pop que se dedicaba a la pintura. Suyos son también hasta los diseños de los papeles de las paredes de algunas habitaciones que salen en el filme. Del vestuario se encargó la mujer de Ken Russell, Shirley Russell, que ya había trabajado con su marido en casi todas sus anteriores películas. La mayor parte del vestuario lo adquirieron de tiendas de segunda mano. Hay que tener en cuenta que la mayor parte de Tommy transcurre en los años cincuenta y consiguieron recrear bastante bien esa época.
No he hablado todavía del reparto, aunque he comentado algunas de las estrellas que tienen pequeños papeles, Eric Clapton, Elton John, Tina Turner. Tamién tiene un pequeño papel Jack Nicholson, interpretando a un doctor, aunque sus dotes musicales dejan mucho que desear. Es importante destacar a Ann Magret que interpreta a la madre de Tommy, la verdad es que borda el papel, una espléndida actuación, además de una gran voz, su personaje es uno de los más importantes de la película ya que sale desde el principio hasta el fina, y gran fuerza del filme radica en su presencia, un gran acierto haber cogido a esta actriz que ya había trabajado muy bien en otros musicales, como en Birdy, de Alan Parker. El que hace el papel de Frank, el amante de su madre, es Oliver Reed, un actor quizas algo limitado, pero con una gran fuerza en la pantalla, este actor no sabía cantar y a mi personalmente me parece que hubiese sido mejor coger a alguien con una voz mejor para ese papel; aun así Oliver Reed nos deja algunos detalles muy buenos.
Supongo que el papel más importante debería ser el de Tommy, claro está. Este papel está interpretado por en cantante de “The Who”, Roger Doltry, a petición expresa del director Ken Russell. Al principio el cantante no tenía claro si podría hacer el papel, nunca antes había trabajado en el cine, pero como estaba tan puesto en el papel consiguió una gran actuación. Otro de los integrantes de la banda que tiene un papel es Keith Moon, el batería del grupo, que interpreta al tío Ernie, el abusador.
A parte de ser un gran musical, Tommy tiene bastante transfondo crítico, tanto político, como religioso. Los temas que trata son tremendamente actuales y me parece que vista ahora la película sigue teniendo perfectamente ese aire de denuncia. La gente siguiendo a un falso Mesias, la influencia que tiene la religión, las sectas, la televisión, la música. Son muchos los temas que trata, y si uno se deja llevar y se introduce dentro de la película puede ver todavía más cosas, aunque si uno no se la toma como debería le puede resultar realmente de difícil digestión, es una película con bastantes paranoias y comidas de olla, no es apta para cinéfilos refinados ni para espectadores acostumbrados solamente al cine comercial.
No es esta la única película que se hizo basándose en un álbum de The Who, en 1979 se estrenó Quadrophenia, basado en un álbum del mismo título y que nos refleja el enfrentamiendo entre los Mods y los Rockers, una gran película que puede que comente con más detalle en otra ocasión ya que se lo merece.
Tommy ha sido reeditada, conmemorando su trigésimo aniversario, en una edición especial de dos dvds que recomiendo totalmente. De ella he partido para hacer esta reseña ya que a parte de llevar comentarios del director, trae entrevistas a Ken Russell, Roger Daltry, Ann Margret y Pete Townshend, esta última de casi una hora de duración. Trae también un reportaje de la masterización 5.1 de la película. Realmente es toda una gozada ver una película así restaurada de esa forma y presentada con tantos detalles.
Pues nada, recomiendo ver “Tommy” con las luces apagadas, el sonido todo lo alto que podáis y si la veis en un estado, digamos, de no lucidez, puede que la disfrutéis todavía más si cabe. Si después de todo no os gusta no pasa nada, lo entiendo, pero no lo comprendo, Como dice su director lo mejor del todo es encontrar una imagen sorprendente y unirla con una música sorprendente, no cabe decir que aquí lo consiguió, y con creces, porque sorprendente no me negareis que lo sea.
Hace poco descubrí que existía una especie de continuación de “The Rocky Horror Picture Show”, “Shock Treatment”, dirigida también por Jim Sharman y con algunos de los mismos actores que protagonizaron aquella. Cuando me enteré de ello no pude salir de mi asombro, ¿una de mis películas preferidas, que había visionado decenas de veces tenía segunda parte y yo no lo sabía? Indagando por la red descubrí que realmente no es una continuación en toda regla, simplemente conserva a los dos protagonistas, Brad y Janet, aunque interpretados por diferentes actores, la dirección de Jim Sharman, y lo más importante, la música corre a cargo de Richard O´Brien, quién a su vez representa un papel en la película, lamentablemente su papel no tiene nada que ver con Riff Raff.
Empezaré dando por supuesto que quién lea esta reseña habrá visto “The Rocky Horror Picture Show”, si no es así os recomiendo, o verla, o por lo menos leer la reseña que hice de la misma. Dicho esto empecemos pues a comentar lo que ha resultado para mí el visionado de “Shock Treatment”, que debo decir que, a priori, me defraudó un poquito, veamos porqué.
Uno de los principales inconvenientes de ver esta película es que te esperes que vas a ver una continuación de RHPS, si buscas eso la película te va a defraudar, más que nada porque nunca se va a rodar algo parecido por mucho que se empeñen, esa película es única y salió de esa forma por muchas circunstancias, posee una espontaneidad de la que esta carece y los personajes no llegan a ser para nada tan carismáticos, Frank´N Furter, Riff Raff, Magenta, Columbia, Eddie…, son únicos y es muy difícil conseguir algo parecido en otra producción, aún teniendo el mismo músico y director.
La película empieza en un plató de televisión, Brad y Janet asisten como público. La pareja ahora esta casada, recordemos que en RHPS Brad proponía matrimonio a Janet en el primer número musical del filme. La cosa es que su matrimonio no funciona del todo bien y están sufriendo una crisis, según Janet a causa de la pasividad de Brad. Por ello participan en el concurso en donde en principio asistían de público, convirtiéndose en protagonistas de una especie de Reality Show, en el que mediante una serie de experimentos llevados a cabo por una especie de científico loco, Cosmo McKinley, interpretado por Richard O´Brien, harán que la pareja vuelva a ser feliz. Janet se convertirá en un ídolo para los teleespectadores mientras Brad está sedado, encerrado y amordazado en una celda donde debe sufrir terapia de electroshock. Mientras tanto el productor del programa Farley Flavors hará cualquier cosa para aumentar la audiencia y la popular presentadora que acaba de perder su espacio a consecuencia de la fama de Janet intentará junto al juez Oliver Wright, interpretado por Charles Gray (el narrador sin cuello de RHPS) recuperar su prestigio.
Más o menos ese es el argumento que capté, aunque seguramente algunas cosas no me quedaron del todo claras, me parece que el guión es un poco lioso en ese sentido y algunos personajes no sabes bien a cuento de que vienen. Aún así la idea no está del todo mal y esa crítica al mundo a la industria de la televisión es muy interesante ya que se adelantó a su tiempo. No iban muy mal encaminados al inventarse ese reality show, muy parecido a subproductos televisivos actuales como “gran hermano” y similares, meros experimentos sociológicos que juegan con la condición humana y hacen de ello un mero espectáculo comercial. Hace poco me enteré de que en Estados Unido estaban haciendo un programa en el que cogían a gente fea, la operaban y cuando estaban guapos los enseñaban otra vez… denigrante.
En esta película veo un problema en cuanto a fotografía. Los decorados me gustan y aunque sean algo artificiales, le dan un aspecto muy original al filme, el plató de televisión, y sobretodo el interior, donde están situadas las habitaciones, el laboratorio y la celda, tienen un aspecto que sin duda llama la atención. El problema como he dicho está en la fotografía, el uso del color, sobretodo el rojo, molesta bastante a la vista, más si los personajes van vestidos también de rojo y además con un fondo rojo. Puede que en la época en que se estrenó eso quedara bien, todos hemos visto los típicos videos musicales de principios de los 80 en la que el colorido primaba sobre cualquier cosa. Me parece que ese es uno de los aspectos que ha hecho envejecer un poco mal a “Shock Treatment”, por suerte ahora ha salido una edición en dvd que mejora algo la imagen de las versiones vistas hasta ahora en vhs o emisiones televisivas y hace que se pueda disfrutar un poco más de la película. Debajo os dejo un ejemplo de la diferencia que hay entre la versión que circulaba hasta ahora y la nuva edición en DVD.
Antes
Ahora
Aspecto aparte es la música, ahí es donde radica la mayor parte del interés de “Shock Treatment”. Si bien no supera a las grandes canciones de RHPS, si que consigue un resultado satisfactorio en la mayoría y mas que eso en algunas otras. Los números musicales y la coreografía están bastante bien y ver a Richard O´Brien y Patricia Quinn bailoteando por un escenario ya es suficiente aliciente para ver la película entera y disfrutarla. Las voces de las canciones son realmente buenas, especialmente la de Jessica Harper, que ya nos había deleitado con su voz en “El fantasma del Paraíso”, de Brian de Palma en 1974. Su voz es totalmente opuesta a la antigua Janet interpretada por Susan Sarandon,, mucho más grave y entonada. No me explico que esta chica no se haya dedicado profesionalmente al mundo de la música, porque voz para ello tenía. También me gustó mucho Cliff de Young, consiguiendo emular dignamente al antiguo Brad Majors. En el video que pongo a continuación podeís escuchar ambas voces.
Una película que ha pasado al olvido, repudiada por muchos de los fans de “Rocky Horror Picture Show”, vapuleada por la crítica y con poca aceptación del público en general.. Estoy seguro que algún día esto va a cambiar, no digo que se trate de una gran película ni de que vaya a pasar a la historia, pero me parece que deberíamos darle otra oportunidad; yo mismo la volveré a ver pronto, a ver si capto algunas de las cosas que no entendí a la primera (quizás por estar más atento a la música que a lo demás), además me parece que este tipo de películas ganan con cada visionado, porque ya conoces un poco más el argumento y puedes disfrutar más de los números musicales.
Uno de mis géneros preferidos son los musicales atípicos, películas como "The Rocky Horror Picture Show", "El fantasma del Paraiso", "Forbiden Zone" , "Canibal, the Musical" "Velvet Goldmine" o hasta "Moulin Rouge". Son musicales diferentes, que normalmente son rechazados por el público en general y admirados por algunos frikis que las llegan a convertir en películas de culto. Hace poco descubrí "Hedwig and the Angry Inch", algo así como "Hedwig y la pulgada irritada", refieriéndose la pulgada, como no, a una vagina.
Empezaré contando que esta película, al igual que "The Rocky Horror Picture Show" esta basada en un musical, y también tiene una legión de fans que la idolatran. El musical "Hedwig and the angry Inch", tuvo mucho éxito y no tardó en tener ofertas para ser llevado a la gran pantalla. Supongo que antes de entrar en tema habría que contar un poquito algo de esa obra, ya que sin ella, obviamente no existiría la película.
Stephen Trask es el máximo creador de la obra, él es quien compuso la banda sonora, y fue co-creador de la obra junto a John Cameron Mitchell, involucrado en el mundo del teatro, al que conoció casualmente en un avión; ahí es donde nació la idea. Al poco tiempo ya estaban inmersos en el proyecto, John interpretaría a Hedwig y Stephen a Skspz, éste también escribiría las letras de las canciones. Nada, la obra se estrenó y como he dicho fue un exitazo, las salas donde se exhibía se llenaban, se estreno en numerosas ciudades y tuvo muy buenas críticas, llego a ser portada de prestigiosas revistas como "Rolling Stone", la Mtv le dedicó algunos reportajes, en fin, que la idea de una especie de opera rock travestida gustó bastante. La productora Killer films fue al final quien se llevo el gato al agua y adquirió los derechos de la obra, ofreciéndole a John Camero Mitchell la dirección del proyecto, y aunque en su vida había dirigido una película, aceptó.
¿De qué va esto?, diréis lo que no hayáis visto la película. No se me da demasiado bien contar los argumentos, pero en fin, lo intentaremos. Nos encontramos en Berlin, antes de la caída del muro, allí un chico, Hansel, vive con su madre, su padre había abusado sexualmente de él. Hansel no tiene clara su identidad, chico o chica. Un día conoce a un militar de color que le ayuda a encontrarse a si mismo y le propone hacerse una operación de cambio de sexo. Toda esa historia la vemos a través de flashbacks ya que lo que realmente vemos en el presente es a Hedwig, que es realmente Hansel, que ha adoptado el nombre de su madre, liderando un grupo "The angry Inch", una banda travesti-glam-punk que lucha para reivindicar que las canciones de la gran estrella del momento, Tommy, son suyas, ya que este se las robo después de tener un romance con Hedwig.
Pues, a grandes rasgos esa es la historia, aunque hay mucho más, claro está. La película tiene muchas cosas interesantes, la música, es realmente una pasada, reminiscencias a David Bowie, Iggy Pop, New York Dolls... toda esa música que realmente me encanta, solo por la banda sonora vale la pena verla. Cada canción parece ser un homenaje a esos artistas, imitando un poco su estilo y añadiéndole toques personales. Cada interpretación de una de las canciones nos conduce al pasado de Hedwig, las letras representan momentos de su vida, así mediante los flashbacks antes mencionados vamos conociendo su historia, los abusos sufridos, la caída del muro, la búsqueda de su identidad, su romance con Tommy... Me pareció una forma interesante de contar la historia.
La estética es muy importante dentro del filme, tanto la fotografía, como la puesta en escena en general, el vestuario, el maquillaje, todo consigue un efecto retro gay que es una pasada. Mucha culpa de esa estética la tiene Thérèse DePrez, diseñadora de producción, que ya había dado una estética interesante en "Yo disparé a Andy Warhol", de Mary Harron. Los juegos de luces, los colores, la purpurina y las pelucas. Las interpretaciones están bastante logradas, a mi personalmente me encantaron tanto Jonathan Cameron en el papel de Edwin como Michael Pita en el papel de Tommy. Tenemos luego una interpretación curiosa de un personaje que no está claro si es hombre, mujer o travesti, se trata de Yitzhack, interpretado por Miriam Sor. Esta hace el papel del un miembro de "The angry Inch", el que hace los coros, demasiado agudos para ser de hombre, Yitzhack tiene una extraña relación con Hedwig.
En algunas de las actuaciones de la banda vemos en una pantalla unos dibujos animados que describen las situaciones que se plantean en las letras, no sé si esos dibujos ya existían durante la obra de teatro, las imágenes reales con los dibujos se van intercalando y se respira un cierto aire a videoclip, a mi personalmente me encantaron esas secuencias, sobretodo una en la que cuenta una especie de metáfora sobre el travestismo.
He de decir que, aunque parezca una película de cachondeo, tiene un trasfondo bastante serio. Hay algunas escenas que tienen bastante profundidad sentimental, tenemos también un claro juego entre la cultura que había entre las dos partes del muro y la importancia que tuvo su derrocamiento, en fin, que a pesar de ser un musical divertido, también tiene otras cosas que le hacen ganar puntos, tanto en el aspecto cinematográfico, como en el cultural.
No quiero seguir enrollándome, que para eso ya hay otros sitios que profundizan más en la película, yo tan solo he querido dejar mi opinión sobre esta película que me ha sorprendido en muchos aspectos. Un festival para los sentidos, sobretodo el acústico, si te gusta el glam, el punk, la estética retro-transexual y el humor ácido e inteligente esta película te gustará. No recuerdo que se estrenara en cines, tampoco la he visto a la venta en ningún sitio, yo la vi en versión original con subtítulos, es fácil de encontrar.
TRAILER
VIDEO DE LOS DIBUJOS
LETRA DE LA CANCION
EL ORIGEN DEL AMOR: Cuando la tierra todavía era plana y las montañas llegaban hasta el cielo y a veces más alto, los humanos recorrían la tierra como grandes pelotas rodando tenían dos pares de brazos tenían dos pares de piernas tenían dos caras saliendo de una gran cabeza y podían mirar todo alrededor suyo mientras hablaban, mientras leian. Y nunca habían conocido nada del amor. Eso fue antes del origen del amor.
Y habían tres sexos entonces, uno que parecía como dos hombres pegados por la espalda se llamaban los hijos del sol.
Y parecidos en forma eran las hijas de la tierra, parecían dos chicas enrolladas en una.
Y los hijos de la luna, eran como un tenedor encajado en una cuchara. Eran parte sol, parte tierra parte hija, parte hijo.
Y los dioses se asustaron de nuestra fuerza y orgullo y Thor dijo, "los matare a todos con mi martillo, como mate a los gigantes" Y Zeus dijo, "No, mejor dejame a mí, usare mis rayos como tijeras, como le corté las patas a las ballenas"
Y agarró algunos rayos, soltó una gran carcajada, dijo "los partiré justo por la mitad, los cortaré en dos mitades" Y las nubes de tormenta se amontonaron en el cielo en grandes bolas de fuego
Y luego el fuego cayó del cielo como brillantes filos de un cuchillo Y rajó la piel de los hijos del sol y de la luna y de la tierra.
Y un Dios indio cosió la herida en un hoyo en nuestro ombligo para recordarnos del precio que pagamos. Y Osiris y los dioses del Nilo reunieron una gran tormenta para soplar un vendaval para esparcirnos a todos Y si nos nos portamos bien Nos volveran a cortar y estaremos saltando en un pie y mirando por un solo ojo.
La ultima vez que te vi Nos acababamos de partir en dos Tu me estabas mirando Yo te miraba a ti Tenías algo tan familiar pero no te podía reconocer porque tenías sangre en la cara yo tenía sangre en mis ojos.
Pero podría jurar por tu expresión que el dolor en tu alma era el mismo que el que sentía yo. Ese es el dolor que corta una linea directa al corazón; lo llamamos amor. Entonces nos abrazamos, tratando de volver a unirnos, Estabamos haciendo el amor, haciendo el amor. Fue una oscura y fría noche hace tanto tiempo cuando por la poderosa mano de Jove, Esa es la triste historia de cómo nos convertimos en solitarias criaturas de dos piernas, Es la historia del origen del amor,
Ficha técnica
