Cien de culto (08 ) El Carnaval de las almas (Carnival of Souls, Herk Harvey, 1962)

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En 1962, seis años antes del estreno de La noche de los muertos vivientes de George A.Romero, apareció El Carnaval de las almas, un filme rodado en tres semanas por un grupo de jóvenes con más ilusión que dinero. Se trata del primer y único largometraje del director Herk Harvey , aunque se ha puesto tras las cámaras en una cincuentena de ocasiones para dirigir documentales y cortometrajes.





. Menciono la película de Romero porque este siempre ha dicho que la película que lo lanzó al estrellato fue influenciada por esta, especialmente en el tratamiento de los muertos vivientes. Realmente no es que aparezcan zombis hambrientos de carne humana en esta película, pero si que se notan algunos elementos que posteriormente Romero usara en su clásico del 68. No tan solo Romero cogió influencias de El carnaval de las almas, David Lynch es otro confeso admirador de esta obra y ese universo particular suyo que todos conocemos también debe mucho al filme de Herk Harvey, especialmente Carretera Perdida. El cine de terror quizás no sería lo mismo de no haberse rodado esta película, su final visto ahora puede resultar muy típico o previsible, pero es es justo porque se ha imitado tantas veces que resulta imposible que sorprenda si uno la ve ahora por primera vez. La escalera de Jacob, El sexto sentido o Los Otros, son algunos ejemplos que se me ocurren.






El carnaval de las almas es una auténtica película de culto. En Estados Unidos cada noche de de Halloween se emite por televisión o en salas de cine. Tiene millones de fans por todo el mundo y es de obligada emisión en cualquier ciclo de terror que se precie. La historia esta basada en un episodio de "The Twilight Zone", titulado The Hitch-Hicker, donde una persona a punto de morir soñaba que podía seguir viviendo.



El argumento es bien interesante. Un grupo de jóvenes cae a un rio con su coche mientras están disputando una carrera. Después de horas de búsqueda infructuosa aparece una figura saliendo del lago, se trata de una de las chicas que iba en el coche. Esta no recuerda nada, no sabe como ha logrado salir del auto no lo que ha hecho todo ese tiempo. El automóvil y el resto de los ocupantes siguen sin aparecer. La chica intenta seguir con su vida normal, se dedica a tocar el órgano en una Iglesia, pero unas apariciones fantasmales truncarán esa normalidad.





Viendo esta película nadie diría que nos encontramos ante una típica serie B de terror de los años 60. Su fotografía es realmente espléndida y los encuadres son magníficos. La puesta en escena en general tiene una calidad poco usual en este tipo de cine. Hay numerosos detalles que no son producto del azar, cada plano está perfectamente estudiado para transmitir aquello que quiere el director. Puede que el guión cojee en algunos puntos y varios diálogos se alarguen un poquito, pero son detalles sin importancia.



Uno de los puntos fuertes de esta película es la terrorífica atmósfera que recrea. Sin mostrar en ningún momento ningún asesinato, ni escena sangrienta, consigue mantener al espectador en tensión durante todo el metraje. Ese es el terror auténtico, inquietar sin apenas mostrar, producir miedo sin saber exactamente a qué. Ese umbral que nos muestra entre el mundo de los vivos y el de los muertos con fantasmas, imaginarios o no que, se le aparecen a la protagonista, son argumentos suficientes para considerar el Carnaval de las almas como una de las películas más terroríficas de la historia. La magistral banda sonora compuesta por Gene Moore genera un hipnótica ambientación y enfatiza más si cabe todas esas sensaciones de las que he hablado.



Hay varios momentos que quedarán grabados en a retina del espectador para siempre, por ejemplo los muertos saliendo del agua, escena imitada en decenas de películas o el baile de los muertos en esa especie de feria abandonada. La forma de retratar esas escenas es lo que las hace inolvidables, poseen una fuerza que no se veía en una cinta de terror desde los tiempos del expresionismo alemán.





Destacar también la actuación de Candace Hilligoss, que consigue transmitirnos todo ese horror que vive con sus inquietantes expresiones y sobretodo con sus ojos, su mirada, a veces perdida, a veces llena de miedo, nos refleja esa empatía que siente hacía el mundo exterior desde que ha tenido el accidente. Parece estar viviendo en un mundo que no es el suyo, y que una actriz consiga hacer llegar eso es realmente complicado. El resto del reparto es bastante mediocre, y ese es uno de los pocos puntos flojos de esta película. Algunas de las escenas pierden parte de su fuerza porque los actores no han sabido representar su papel. Hay que tener en cuenta que no se trataba de un reparto profesional, de ahi esas limitaciones. Como curiosidad decir que Herk Harvey, director de la cinta, es quien interpreta al "fantasma" que se le aparece a la chica.

En definitiva, un clásico del cine, que en su época fue todo un fracaso de crítica y público, quizás por eso Herk Harvey decidiera no involucrarse más en nigún largometraje. Comentar que Wes Craven hizo un olvidable remake en 1998 y que existe una versión coloreada, por lo menos el trailer existe, que hace que la película pierda todo su encanto, realmente es un crimen colorear una película como esta.

OTROS CARTELES



VIDEOS

Los videos que pongo a continuación no reflejan muy bien la calidad de imágen que tiene la película pero es lo que he podido encontrar. Pongo los dos trailers , el de la versión original y el de la coloreada.

Trailer



Trailer en color

Cien de culto (07) Los amos de la noche (The Warriors, Walter Hill, 1979)

Ficha técnica



Hay pocas películas que tengan una legión de fans tan entusiasta como "The Warriors", dejando a parte a trekkies y los frikis de Star Wars, esta película, junto a The Rocky Horror Picture Show son las únicas que año tras año, desde su estreno, reúnen a miles de fans en todos los rincones del mundo para ver pases privados en lo que se disfrazan como los protagonistas, de ahí su condición de película de culto.



He visto The Warriors por primera vez con 29 años y seguramente eso ha hecho que la viera con otros ojos, me da pena no haberla visto con 15 años porque estoy seguro de que la hubiese disfrutado mil veces más y ahora la vería con nostalgia, como hago con esos filmes que me marcaron de pequeño, Los Goonies, Cuenta conmigo, Rebeldes o Laberinto entre otras. Viéndola ahora quizás le vea demasiadas incoherencias, diálogos absurdos o sobreactuaciones, cosas que uno no aprecia viéndola con más inocencia.

Aún así puedo decir que en lineas generales me ha encantado, me ha parecido terriblemente entretenida, da la sensación de que dura menos de una hora ya que se pasa volando. Desde la secuencia inicial uno ya puede imaginarse lo que va a ver, vamos viendo varias bandas dirigiéndose a un sitio en metro, cada una de esas bandas va vestida de forma totalmente personalizada, todos los miembros llevan la misma vestimenta o maquillaje en algunos casos.

El argumento seguramente es bien conocido por todos, aunque como es posible que haya algún despistado, como yo mismo hace unos meses puedo decir que el guión es tan sencillo como efectivo. Todas las bandas de la ciudad han sido convocadas a una especie de cónclave, allí les espera el lider de las bandas de la ciudad, que en esos momentos han llegado a una tregua. Mientras el lider pronuncia un discurso, en el que quiere unir a todas las bandas para dominar la ciudad, es disparado por un individuo, este enseguida acusa a la banda de los Warriors del asesinato y se forma un alboroto, llega la policia y los Warriors escapan, perdiendo a su lider. Ahora están solos a más de 30 kms de casa y deben regresar siendo perseguidos por todas las bandas de la ciudad y por la policia.

Pues si, solamente es eso, poca historia hay más que contar, lo realmente interesante de The Warriors es su estética, tanto en el retrato de cada banda con sus particularidades como en la manera de mostrarnos la ciudad de noche. Los secuencias de acción son muy entretenidas, las luchas entre bandas, sin ser muy creativas ni espectaculares funcionan, ya sea por su violencia o por lo exageradas que son algunas de ellas.

La inclusión de la chica en el grupo me parece algo forzada, así como su personalidad, aunque es algo que olvidas enseguida, como dije hay que verla con inocencia, es una película para divertir y entretener, no para ir a buscarle un guión perfecto ni una dirección académica, aunque en mi opinión Walter Hill hace un gran trabajo impregnándole de una frescura endiablada y un estilo totalmente personal que ha sido imitado en cientos de ocasiones posteriormente.

Como curiosidades decir que se dice en The Warriors se creó el concepto de película con protagonismo compartido, aunque me parece a mi que recuerdo más de una pelí con protagonismo compartido anterior a 1979, la cosa que no recuerdo ahora ni una. Decir también que hay un juego basado en la película y que Tony Scott está preparando un remake de ella, aunque viendo los últimos trabajos de este director la cosa no pinta muy bien.

Nada, que no quiero hacer un análisis de "The Warriors" porque habrá otros que son muchos más entusiastas de ella y sabrán hacerlo mejor que yo, aquí tan solo doy fe de que la he visto y que me parece que es obligatorio incluirla entre estas cien películas de culto que espero recomendar por aquí. Espero que en los comentarios dejéis vuestras impresiones sobre esta peli y todas las curiosidades que sepaís de ella, seguramente que sabéis mucho mas de ella que yo.

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Cien de culto (06), El ansia (The Hunger, Tony Scott, 1983)

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SINOPSIS

Miriam, una bellísima mujer, posee el ”Ankh”, símbolo egipcio de la inmortalidad, utilizando sus encantos para mantenerse eternamente joven. Su secreto es una mezcla de sadismo y amor espiritual, al que están atados sus amantes, víctimas del ansia que les produce la relación con Miriam. John, uno de sus amantes, acude a una doctora para que le ayude a resolver su misterioso envejecimiento prematuro.

COMENTARIO




El caso de los hermanos Scott, Ridley y Tony Scott es algo curioso, si analizamos la filmografía completa de ambos podemos ver que en general sus producciones son mediocres, en cambio los dos poseen en su haber algunas películas más representativas del séptimo arte, Alien y Blade Runner en el caso de Ridley y "Amor a quemarropa" y "El Ansia" en el caso de su hermano pequeño, aunque estas dos últimas pueden considerarse más bien obras de culto ya que cinemaotgráficamente pueden tener sus carencias pero hay muchísimos aficionados que las defienden a muerte.

Para mi, "El Ansia" es una de las mejores películas de terror de los 80 y uno de los mejores filmes sobre vampirismo que he visto nunca. Indudablemente nos encontramos ante una obra totalmente opuesta por ejemplo a "Dracula" de Francis Ford Coppola, esta última con un tratamiento mucho más académico frente al planteamiento casi de tipo videoclip que puede tener "El Ansia". Tampoco es una película de vampiros con escenas gore como "Abierto hasta el amanecer", su terror es algo más sofisticado.

El filme esta Basado en la novela homónima de Whitley Strieber, aunque la idea principal de Tony Scott era adaptar a la gran pantalla "Entrevista con el vampiro" de Anne Rice. Sus mayores logros radican en el diseño de producción, los decorados y la puesta en escena, algo en lo que mucha gente discrepa, dicen que es un videoclip de dos horas y que carece de calidad cinematográfica. Otro de los aspectos importantes son las actuaciones, David Bowie, en uno de sus mejores papeles, Susan Sarandon y Catherine Denueve consiguen crear un extraño triángulo lleno de misterio, horror y erotismo sofisticado.

El ansia es una de esas películas de culto, que tuvieron poco éxito en su estreno, tanto de crítica como de público, pero que poco a poco, gracias al mercado del vídeo y a los aficionados con criterio, ha ido ganando nombre y reputación. Para mi es imprescindible y de obligada visión, una pequeña joya de una época que ya está perdida... aunque no olvidada...

VIDEOS

EL ansia ft. The Mission



Bauhaus - Bela lugosi's dead (The Hunger)

Cien de culto (05), El extraño viaje (Fernando Fernán Gómez, 1964)

Ficha técnica

SINOPSIS

En un pequeño pueblo cerca de la capital vive una familia compuesta por tres miembros: la dominante y seria Ignacia (Tota Alba) y sus dos hermanos tímidos y retraídos llamados Paquita (Rafaela Aparicio) y Venancio (Jesús Franco).
La vida monótona de la localidad sólo es quebrada los sábados, cuando un conjunto musical de Madrid viene a amenizar con sus canciones el fin de semana.
Un sábado de tormenta, Paquita y Venancio, miedosos, oye ruidos y se dirigen hacia la habitación de su hermana. Allí creerán ver a una cuarta persona. Su hermana Ignacia lo niega...

COMENTARIO

Fernando Fernán Gómez es para mí uno de los mejores directores que ha dado el cine español, siendo "El extraño viaje" su mejor película y una de las mejores rodadas en España, y porque no decirlo, en el mundo.

"El extraño viaje" está inspirado en unos hechos reales que tuvieron lugar en la España profunda, dentro de las llamadas "crónicas negras" de esa época, un asesinato múltiple que tuvo lugar en la localidad de Mazarrón. En principio la película debía llevar el título de "El crimen de Mazarrón", pero por problemas con la censura fue estrenada con otro nombre.

Esta película fue un rotundo fracaso, tardó cinco años en estrenarse. Realmente no me extraña, no creo que los españoles de a pie de esa época estuvieran preparados para ver algo así, aunque por lo menos la crítica si que entendió que era un gran filme y a día de hoy es un clásico de culto que ha inspirado a muchas otras obras cinematográficas.

Tenemos aquí una mezcla de géneros perfectamente unidos, comedía negra, terror, suspense, drama. Quizás si abarcamos toda la película en general podríamos decir que es más un filme de intriga con algunos toques de humor, pero analizándola por partes es mucho más que eso, nada es lo que parece desde un principio, podríamos pensar que es una película de fantasmas, o quizás una parodia de terror, o un simple drama al estilo de las producciones neo-realistas" italianas de la época. También podríamos ver un thriller de suspense al estilo de Hitchcock, aunque viendo su fotografía podríamos pensar en el cine expresionista alemán.

El guión de "El extraño viaje" es sencillamente magistral, cuando finaliza la película te das cuenta de que todo está perfectamente ligado, y lo que podía parecer extraño, o surrealista en un principio es ahora perfectamente comprensible. Los diálogos son también estupendos, con un humor negro que es una delicia.

Fernando Fernán Gómez consiguió representar la España profunda de una forma totalmente realista, no he vivido esa época, pero estoy seguro que así es como era. El ambiente rural, la población, cerrada, ignorante, parece que no actúan, sino que cogió a gente del pueblo realmente. El baile por ejemplo me parece totalmente realista, con todo el pueblo esperando a que toque la banda.

Impresionantes también las actuaciones, especialmente Rafaela Aparicio y Jesús Franco, espero que no los hayan doblado en ningún país, es imprescindible escuchar la forma en que se expresan. Carlos Larrañaga no me acaba de gustar, es un actor al que nunca le he visto muchos recursos.

Una película maldita del cine español, indispensable para cualquier aficionado al cine y de obligada visión para los que no la conozcáis todavía.

Cien de culto (04), El silencio de un hombre (Le Samurai, Jean-Pierre Melville, 1967)

Ficha técnica

SINOPSIS

Contratado por el bajo mundo del sindicato, el asesino Jef Costello, vive bajo el código de honor del estricto japonés Bushido. Su actual encargo es el de eliminar al dueño de un nigth-club, cosa que hace disparándole a sangre fría en su despacho. En su fuga se encuentra con la pianista de color, la cual posteriormente en una rueda de reconocimiento jura que él no es el asesino. Libre de todo cargo, Jef va a una reunión a cobrar su dinero por el trabajo realizado, solo para encontrarse con que lo están esperando para matarlo. Al saber que está sentenciado, vuelve al lugar del crimen y en un gesto simbólico apunta con su revolver descargado a la pianista, esperando hasta que la poicia lo mate.


COMENTARIO

Jean Pierre Melville es uno de los mejores directores de cine negro que ha dado el séptimo arte. Este director francés otorgó una personalidad propia en cada una de sus películas. Está considerado el precursor de la nouvelle vague, que es la denominación que la crítica utilizó para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses surgido a finales de la década de 1950. Los nuevos realizadores reaccionaron contra las estructuras que el cine francés imponía hasta ese momento y, consecuentemente postularon como máxima aspiración, no solo la libertad de expresión, sino también libertad técnica en el campo de la producción fílmica. Todas sus películas resultan tremendamente interesantes, pero yo me quedo con esta “Le Samurai”, uno de los hitos del "film noir" y pura poesía en imágenes.

Le Samourai posee un argumento sencillo a priori, aunque su guión resulta magistral.Aquí lo interesante es la atmósfera que rodea al filme. La forma de retratar la soledad del protagonista, el retrato que ofrece de Paris los planos que nos ofrece constantemente el director son magníficos, la cámara está siempre donde debe estar, cada movimiento está detalladamente estudiado, una genialidad; la maravillosa actuación de Alain Delon interpretando al frio Jeff Costello, que sin decir apenas nada nos transmite todo lo necesario con solo un gesto o una mirada. Las virtudes de esta película son muchas, una cinta policíaca, que en cierto modo pudo inspirar a los giallos que se rodarían en Italia en los 70, sobretodo por la estética. Una película pausada, que no lenta, que se ha convertido en pieza de culto y admirada por todos los directores del planeta, una referencia, sin duda…

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Cien de culto (03), ¿Qué fue de Baby Jane? (What Ever Happened to Baby Jane?, Robert Aldrich, 1962)

Ficha técnica

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SINOPSIS

Baby Jane fue una niña estrella en su juventud, años despues su carrera fracasa mientras su hermana Blanche triunfa como actriz. En el presente ambas hermanas, ya de avanzada edad, viven juntas. Blanche, que está paralítica por un extraño accidente que sucedió en el pasado, vive prácticamente secuestrada y maltratada por Jane, que sufre grandes transtornos psicológicos.

COMENTARIO

“Qué fue de Baby Jane” es una de las mejores películas de terror psicológico rodadas jamás. Se trata de una de esas películas para pasarlo mal, en el buen sentido de la palabra claro está. Con este filme nos encontramos ante el mejor duelo interpretativo femenino de la historia del cine, con dos magníficas actrices que lo dan todo, Bette Davis en el papel de Jane Hudson y Joan Crawford interpretando a su hermana Blanche. De este duelo nacen chispas que saltan de la pantalla hacia el espectador que queda fascinado ante tal brillantez. Ambas actrices se odiaban en la realidad y eso hizo que sus papeles resultaran tan verídicos, además ambas se introdujeron totalmente en su papel, sobretodo Bette Davis que no se quería desmaquillar después del rodaje para que al día siguiente su aspecto fuera más tétrico.

A parte de estas brillantes interpretaciones, para regocijo del espectador, el filme posee un guión magistral, basado en una novela de Henry Farell y posee uno de los mejores finales que he visto. La fotografía es también exquisita, con un blanco y negro perturbador como pocas veces he visto, las luces y las sombras poseen una fuerza que llena la pantalla y aumenta la sensación dramática que ya de por sí es enorme. La dirección es soberbia, Robert Aldrich saca todo el jugo posible a esta historia perturbadora inyectándole un estilo personal y mostrando algunas escenas que para la época en que se estrenó eran realmente duras.

Las consecuencias de la fama, la vejez, las relaciones humanas, los celos, la soledad, los trastornos psicológicos, son algunos de los temas que trata “¿Qué fue de Baby Jane?, una obra maestra del séptimo arte, considerada una pieza de culto y para mí el mejor film de Robert Aldrich junto a “Hush…Hush, Sweet Charlotte”.

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Cien de culto (02) Tras el cristal (Agustí Villaronga, 1987)

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SINOPSIS

Klaus, un ex-oficial nazi que trabajó en horribles experimentos infantiles, sufre un accidente después de haber torturado y asesinado a un niño, y se ve obligado a pasar el resto de sus días postrado en un pulmón de acero.

Un joven, Angelo, se ofrece para cuidar de él. El chico se convierte así en su enfermero, ante la desconfianza de la mujer de Klaus, Griselda. Angelo se siente completamente fascinado por la personalidad de Klaus, de quien conoce su oscuro pasado, y le propone ser el brazo ejecutor de nuevos y atroces experimentos.

COMENTARIO

Una de las mejores películas que ha dado el cine español, considerada fuera de nuestro país una película de culto y curiosamente olvidada totalmente aquí. Se trata del debut del mallorquín Agustí Villaronga, director que pocos habrán oido mencionar en su vida, pero que sin duda es uno de los autores más personales que tenemos por estos lares. La película trata temas realmente duros y de forma bastante cruda, la pedofilia, el fascismo, la tortura. Las imágenes grotescas y perturbadoras llenan la pantalla y hacen que el espectador se sienta incomodo en todo momento, cosa que puede no gustar a algunos espectadores. El reparto trabaja muy bien, destacando a Marisa Paredes, actriz que no me gusta demasiado pero que aquí hace un gran papel. Otra de esas películas que se merece un análisis más detallado, pero como ya dije en esta sección no quiero alargar los comentarios.

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Cien de Culto (01), Brazil, (Terry Guilliam, 1985)

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SINOPSIS (Extraída de wikipedia)

Sam Lowry (Jonathan Pryce) es un tecnócrata eficiente pero soñador con un puesto de tercera categoría dentro de la gigantesca máquina burocrática que mueve (o paraliza) a una antiutopía opresiva, inhumana, hundida por la ineficiencia y amenazada por el terrorismo.

Un error en un apellido debido a una mosca caída en la cabeza de un teletipo provoca la detención errónea de un inocente, de consecuencias fatales para éste. Como oficialmente no existen errores en el sistema burocrático, nadie quiere hacerse cargo del papeleo excepto el bienintencionado Lowry. Durante su visita a la familia del fallecido tiene un encuentro casual con su vecina, a la que reconoce como la mujer de sus sueños. Sin embargo esta huye.

Este descubrimiento hace que, para poder obtener información sobre ella, Sam se someta a los deseos de su madre, una narcisista recalcitrante y muy bien relacionada obsesionada con darle una carrera a su hijo. Así, Lowry comienza su escalada a las altas esferas a pesar de su naturaleza escrupulosa y poco ambiciosa.

Sin embargo, tanto su implicación en el error burocrático del principio, como su obsesión por la mujer así como sus contactos con un fontanero clandestino (!) complican la vida a Lowry hasta el punto de que pasa a ser considerado una amenaza para el sistema. Mientras, a pesar de muchas dificultades, es capaz de conseguir el amor de su chica soñada.

Finalmente el Sistema, implacable, se hace cargo de Sam Lowry y le destruye mediante la tortura. Pero Lowry obtiene refugio en la locura.

COMENTARIO RÁPIDO

Sin duda una de mis películas preferidas de la historia del cine y la mejor obra hasta el momento de Terry Gilliam. Es uno de esos filmes que ganan con cada visionado, no dejas de encontrarle nuevas cosas. La puesta en escena es soberbia, los decorados, la extraña mezcla de diferentes épocas, la fotografía, Brazil posee algunas de las más bellas imágenes que ha dado el mundo del celuloide, todo junto le otorga una ambientación pseudo-futurista como nunca he visto en una pantalla, a mi parecer superior a películas mucho mejor consideradas como puede ser "Blade Runner". Brazil a parte de ser bonita de ver visualmente también es magistral argumentalmente, una crítica social al sistema, una visión futurista de una sociedad que poco a poco se está auto-destruyendo, para ello Terry Gilliam se inspiró claramente en 1984 de Gerorge Orwell.

Me gustaría poder hacer una amplia reseña a esta película pero me parece demasiado complicado poder hacerlo, si queréis un buen comentario os recomiendo este artículo

TRAILER

Cien de...

Nueva sección en este blog, lo que haré a partir de ahora es poner 100 películas indispensables (a mi juicio) de algunos de los géneros que trato en el blog, Cien de terror, Cien de culto y Cien de autor.Las reseñas serán cortas y sin las típicas capturas que suelo poner, si acaso ya la he comentado antes pondré un enlace al comentario. Se podrá acceder a los listados mediante las etiquetas, tan solo aprentando en la etiqueta cien de terror saldrán las cien recomendaciones que iré poniendo a lo largo de los próximos meses. ¿Para que sirve eso?, pues mucha gente me pide que le recomiende películas, tampoco tengo tiempo, ni ganas, de hacer una reseña de cada película que me gusta, además muchas de ellas ya está comentadas en muchos otros sitios, de esta forma tan solo dejo constancia de mis películas preferidas de cada género. A parte de eso, como no, están abiertos los comentarios para que cada uno opine sobre la película que recomiende.

¿Qué es es cine de autor?

El cine de autor es el cine en el que el director tiene un papel preponderante al basarse normalmente en un guión propio y ser realizado al margen de las presiones y limitaciones que implica el cine de los grandes estudios comerciales, lo cual le permite una mayor libertad a la hora de plasmar sus sentimientos e inquietudes en la película.En el cine de autor, el autor es normalmente identificable o reconocible por algunos rasgos típicos en su obra.

En los años 60 del siglo XX, un grupo de críticos de cine franceses, pertenecientes a la revista "Cahiers Du Cinema" e inspirados, entre otras cosas, por el texto de 1948 "La Cámara Pluma" (Cámera Stylo) de Alexandre Astruc, comienzan a plantearse interrogantes acerca del rol del "auteur", o realizador, dentro de una película. Estos críticos se oponían a las ideas del Neorealismo Italiano el cual proponía que el autor cinematográfico por excelencia era aquel capaz de plasmar la realidad tal cual era, sin manipulaciones de ninguna índole, permitiendo el espectador interpretase esta "realidad" y fijase sus propias conclusiones. Sin embargo, para este grupo de críticos entre los cuales figuraban Jean-Luc Godard (Al final de la escapada (1960), François Truffaut (Los 400 golpes (1959)), Alain Resnais Hiroshima Mon Amour (1959) y Claude Chabrol entre otros, el cine debía proponer una visión particular de la realidad y revelar la presencia un autor-director responsable por la imágenes proyectadas. En este sentido, los realizadores de la llamada "Nueva Ola Francesa" utilizaban el medio cinematográfico para expresar opiniones e ideas en cada una de sus obras.

Estos autores pasarían luego del texto a la acción filmando cortometrajes y largometrajes, dentro de la corriente llamada Nouvelle Vague. Su interés por las películas de realizadores Americanos, especialmente por (Hitchcock), quien, a pesar de ser Inglés, realizó buena parte de su filmografía en los Estados Unidos, les permiten sustentar sus pensamientos acerca de lo que para ellos era el "cine de autor" reconsiderando su despreciado talento y creatividad cinematográfica.

Sin embargo, la expresión "cine de autor" trae consigo múltiples problemas de interpretación. Por una parte invita al pensamiento historicista de que el autor cinematográfico tiene un desarrollo lineal de su carrera, lo que lo hace predecible en relación a sus trabajos anteriores (esto no es necesariamente cierto) y por otra parte la expresión "cine de autor" agrupa a una serie de realizadores cinematográficos fuera del sistema de las grandes casas productoreas americanas convirtiendo inmediatamente en "auteur" a cualquiera que pertenezca a este grupo "externo".

Esta corriente cinematográfica tuvo una importante influencia en el cine asiático consolidando a figuras de la talla de Nagisa Oshima con películas como "Violencia al Atardecer", "El Imperio de los sentidos" y "Cruel Historia de la Juventud".

¿Qué es el cine de culto?

Una película de culto es una película que atrae a un pequeño grupo de devotos o aficionados o aquella que sigue siendo popular con el paso de los años entre un pequeño grupo de seguidores. Con frecuencia la película no llega a alcanzar el éxito en su estreno, aunque no siempre es el caso. Algunas veces la respuesta de la audiencia a una película de culto es algo diferente a lo que pretendían los creadores. Es normal que una película de culto presente elementos inusuales.

Una película alcanza el status de ser considerada de culto debido a la relación de la audiencia con la película. Esto hace que sea difícil calificar una película como de culto; un éxito continuado entre un conjunto de aficionados al cine muchos años después del estreno original de la película es el factor clave de esta definición.

Muchas películas de culto son de terror o ciencia-ficción.

• La película The Rocky Horror Picture Show (que combina elementos de ficción científica, terror, travestismo, incesto y homosexualidad a la vez que, de forma extraordinaria, es un musical) es considerada por muchos como la primera película de culto.

• Un ejemplo de como el culto difiere entre sociedades es la devoción por el actor cómico Norman Wisdom en Albania durante los años del régimen comunista de Enver Hoxha, a la vez que su estilo familiar aseguró que "de culto" fuese el último calificativo a aplicarle en occidente. Curiosamente, él y sus películas están adquiriendo la categoría de culto en Gran Bretaña.

• En el caso de El manantial, el culto a esta película viene de los seguidores de la filosofía de Ayn Rand, que encuentran en esta película el mejor plasmado cinematográfico de la filosofía de su autora preferida. Los no seguidores de esta filosofía suelen encontrar que la película es algo antigua y acartonada.

• Blade Runner no sólo encontró seguidores entre los aficionados a la Ciencia Ficción.