30 mar 2007

Cien de terror (05) Pánico el el transiberiano (Eugenio Martín, 1970)


Ficha técnica



SINOPSIS

En 1905, en la provincia china de Hangchow, un antropólogo inglés descubre un fósil, una especie de ser humanoide que piensa que puede ser el "eslabón perdido" de la humanidad. Lo guarda en una caja en el coche de equipajes del Transiberiano. Y así comienza el viaje junto a un variado grupo de pasajeros, un misterioso doctor interesado en los temas de ocultismo; una bella condesa y su marido; un inspector de policía; un joven ingeniero americano y un espía. Poco después de dejar Shanghai, es encontrado muerto un hombre, después una chica... Una extraña y peluda bestia ataca a uno de los pasajeros, logrando
matarla. Al examinar los ojos de la criatura descubren una imagen de la Tierra impresa en ellos. La bestia es de otra galaxia que de alguna manera ha llegado a la Tierra. Según el tren continúa su viaje, lleva a los pasajeros a un destino que cambiará sus vidas para siempre.


COMENTARIO

Cuando uno ve el reparto de esta película puede pensar que se trata de una producción de la hammer. Cristopher Lee y Peter Cushing , esos dos monstruos del terror unidos en una película española no es algo que se vea todos los días. "Pánico en el transiberiano", es a día de hoy una de las mejores películas que ha dado el fantástico español en toda su historia, aunque no sea cien por cien española, ya que estuvo co-producida por el Reino Unido.

Uno de los puntos importantes en esta película es el guión, realmente bueno, que mezcla de forma muy interesante intriga, terror, ciencia ficción y hasta algunos toques de humor negro, sobretodo cuando aparece el monje Pujardorv, personaje interpretado por Alberto de Mendoza, aunque yo pensara durante todo el metraje que era Paul Naschy, son clavados. Los diálogos también están bastante elaborados y la parte final da un giro sorprendente que es una delicia. Interesante es también la puesta en escena, la ambientación y la fotografía, todo desborda calidad, se nota que hubo gente buena detrás de las cámaras. El final puede que sea un poco precipitado y algo absurdo, pero es lo de menos, lo aciertos son tantos que eso no tiene importancia.

Veo en esta película una mezcla de "Invasion of the Body Snachters, y"The thing from another world" , aunque con muchos elementos originales, claro está. Aquí puede que ese toque de ciencia ficción no se vea muy claro hasta más avanzado el filme, pero sin duda existe.

Los efectos especiales son bastante buenos, siempre recordaré la forma de ponerse los ojos en blanco de las víctimas, o la autopsia en la que le hacen la trepanación al encargado de almacén. Puede que no sea una película muy sangrienta, pero tiene suficientes víctimas y ojos hervidos que cualquier aficionado al splatter se sentirá satisfecho.

Una película indispensable dentro del cine de terror, no tan solo hispano,sino europeo, de la cual deberían tomar nota las nuevas generaciones de directores, una lección de como se debe hacer una buena película de género, entretenida, terrorífica y bien hecha.

29 mar 2007

Cien de culto (04), El silencio de un hombre (Le Samurai, Jean-Pierre Melville, 1967)

Ficha técnica

SINOPSIS

Contratado por el bajo mundo del sindicato, el asesino Jef Costello, vive bajo el código de honor del estricto japonés Bushido. Su actual encargo es el de eliminar al dueño de un nigth-club, cosa que hace disparándole a sangre fría en su despacho. En su fuga se encuentra con la pianista de color, la cual posteriormente en una rueda de reconocimiento jura que él no es el asesino. Libre de todo cargo, Jef va a una reunión a cobrar su dinero por el trabajo realizado, solo para encontrarse con que lo están esperando para matarlo. Al saber que está sentenciado, vuelve al lugar del crimen y en un gesto simbólico apunta con su revolver descargado a la pianista, esperando hasta que la poicia lo mate.


COMENTARIO

Jean Pierre Melville es uno de los mejores directores de cine negro que ha dado el séptimo arte. Este director francés otorgó una personalidad propia en cada una de sus películas. Está considerado el precursor de la nouvelle vague, que es la denominación que la crítica utilizó para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses surgido a finales de la década de 1950. Los nuevos realizadores reaccionaron contra las estructuras que el cine francés imponía hasta ese momento y, consecuentemente postularon como máxima aspiración, no solo la libertad de expresión, sino también libertad técnica en el campo de la producción fílmica. Todas sus películas resultan tremendamente interesantes, pero yo me quedo con esta “Le Samurai”, uno de los hitos del "film noir" y pura poesía en imágenes.

Le Samourai posee un argumento sencillo a priori, aunque su guión resulta magistral.Aquí lo interesante es la atmósfera que rodea al filme. La forma de retratar la soledad del protagonista, el retrato que ofrece de Paris los planos que nos ofrece constantemente el director son magníficos, la cámara está siempre donde debe estar, cada movimiento está detalladamente estudiado, una genialidad; la maravillosa actuación de Alain Delon interpretando al frio Jeff Costello, que sin decir apenas nada nos transmite todo lo necesario con solo un gesto o una mirada. Las virtudes de esta película son muchas, una cinta policíaca, que en cierto modo pudo inspirar a los giallos que se rodarían en Italia en los 70, sobretodo por la estética. Una película pausada, que no lenta, que se ha convertido en pieza de culto y admirada por todos los directores del planeta, una referencia, sin duda…

TRAILER

14 mar 2007

O estranho mundo de Ze do Caixao (José Mojica Marins, 1968)



Ficha Técnica


Un año después de haber dirigido “Esta Noite encarnarei no teu Cadáver”, José Mojica Marins estrenó “O estranho mundo de Ze do Caixao”, que aunque no sale exactamente el personaje de Ze do Caixao, si que nos encontramos con todos los elementos que forman parte de su ideología. En esta película tenemos tres historias cortas, como en “Las tres caras del miedo”, de Mario Bava, que nos sucumben en la mente retorcida del director, quien a base de imágenes cada vez más fuertes nos introduce en su mundo, el extraño mundo de Ze do Caixao.





Lo mejor será comentar las historias una por una ya que todas se diferencian bastante entre sí, aunque teniendo en común las constantes del cine de este director, la religión, la muerte y la condición humana. Los que todavía no conozcáis nada de él os animo a que antes de leer esta reseña miréis este especial que llevo haciendo sobre él desde hace tiempo.



El primero de los relatos se titula “O fabricande de Bonetas” (El fabricante de muñecas). Nos cuenta la historia de un anciano que, junto a sus cuatro hijas, se dedica a fabricar unas muñecas que tienen la particularidad de tener una mirada muy realista. Unos maleantes se enteran de que el anciano guarda en su casa el dinero que obtiene con la venta de las muñecas y se deciden a ir a su casa para robarle. Los ladrones al ver a las hijas del anciano las violan y estas, aunque al principio forcejean un poco, al final parece gustarles el abuso que sufren. Una tremenda venganza les espera a los pillos…



Este primer relato tiene muchas carencias técnicas. El sonido es terrible, continuos saltos y ruidos por todas partes que desconciertan al espectador, cuando hay música de fondo y diálogos todo se confunde y es difícil entender nada. Los fallos de racord son constantes, la iluminación nunca es la misma y los encuadres están bastante mal realizados. Aun con todas esas carencias posee un estilo totalmente personal y algunos de los planos son verdaderamente impactantes. Las actuaciones son algo malas, como en casi todo el cine de Mojica Marins. De todas formas todo eso forma parte de su estilo, compensaba la falta de recursos con esos extraños planos, que vistos ahora resultan seguramente más interesantes que vistos años atrás.



La segunda de las historias se titula “Tara”, trata de un vendedor de globos que está enamorado de una chica a la cual sigue cada día. Un día la chica pierde un paquete, el vendedor de globos lo recoge pero no puede entregárselo ya que esta empieza a salir con un hombre. Al cabo de un tiempo la pareja se casa y el vendedor asiste a la boda, donde la novia es asesinada por una amiga celosa. La chica es llevada a una capilla de una Iglesia donde su seguidor la violará en cuanto los asistentes abandonen la sala.



Esta historia es la mejor de las tres visualmente. No tiene diálogos y su fotografía recuerda al expresionismo alemán. Sus juegos de luces y sombras son muy buenos y no parece que haya sido rodado por el mismo quien hizo la primera historia. Aquí tenemos algunos de los elementos más comunes del cine de Mojica Marins, sobretodo el religioso, primeramente una boda, donde asesinan a la novia y luego un entierro en donde esta es violada. La capilla de la Iglesia esta plagada de elementos macabros, como ratas y arañas. Los símbolos católicos son mostrados como perversidades, en unos caóticos planos que acentúan el simbolismo de esos iconos.



El tercer relato se titula “Ideología y trata sobre un profesor, Oäxiac Odéz, que asiste a un programa de televisión para comentar su teoría sobre el instinto humano. Al finalizar el programa invita a uno de los periodistas a que asista a su casa con su mujer para demostrarle esa teoría con hechos. Este acepta y asisten a la extraña mansión del profesor donde asistirá a un espectáculo macabro plagado de lujuria, sadismo, masoquismo y canibalismo para demostrar que el ser humano no siente amor y se mueve por el instinto.



Esta historia es la mejor de todas y las mas fuerte sin duda. Algunas de las escenas son tremendamente impactantes, una mujer rociada con ácido en la cara, un hombre obligado a tragar plomo candente, otro es atravesado por clavos, otro es devorado vivo por varios hombres y mujeres… Todas estas imágenes se nos muestran con todo lujo de detalles, en primerísimos planos y con unos buenos y creíbles efectos especiales (la escena de las agujas me parece que es real).



Al principio decía que Ze Do Caixao no aparece exactamente en esta película. Realmente lo tenemos en esta última historia, el profesor Oäxiac Odéz está interpretado por José Mojica Marins, y como Ze Do Caixao, lleva las uñas largas, pero en vez de vestir su típico sombrero lleva un turbante, al igual que en Finis Hominis. Si os fijáis si ponemos el nombre del profesor al revés nos sale Ze Do Caixao.

Realmente no recomiendo ver esta película sin haber visto antes sus anteriores trabajos, es bastante importante conocer un poco su ideología para disfrutar plenamente de estas historias. “O estranho mundo de Ze do Caixao” no esta considerada como lo mejor de este director, pero a mi me parece perfectamente disfrutable y una buena forma de entrar completamente en la mente de este personaje.

Video de la escena de canibalismo






4 mar 2007

Macunaíma, (Joaquim Pedro de Andrade, 1969)


Ficha técnica

A principios del siglo XX, un científico alemán estuvo en Brasil recopilando leyendas indígenas. Mario Andrade, fundador del Movimiento literario modernista de los años 20, y uno de los escritores brasileños más importantes de este siglo, leyó esas leyendas y se quedó, según sus propias palabras “desesperado de conmoción lírica”, ya que se dio cuenta que la cultura popular brasileña, siempre irreverente, cómica, y hasta subversiva en relación a los patrones morales hipócritas vigentes en diferentes épocas de la historia de Brasil, todavía conservaba su espíritu, sus historias y hasta sus personajes creados por los antiguos indígenas siglos atrás. Así es como nació el libro “Macunaíma”, que Mario Andrade escribió en tan solo una semana. De ese libró nació la película que voy a comentaros hoy, un filme de culto en Brasil pero desconocido en la mayor parte del mundo y totalmente inédito en España.





Si me pusiera ahora a hablar sobre la novela de Mario Andrade, seguramente haría que más de uno abandonara la lectura de esta reseña, no es plan ahora entrar en su contenido socio-político y etnológico, por lo tanto nos centraremos en lo que es la película en sí, pero tampoco dejando del todo abandonado el libro.



La película empieza con el nacimiento de Macunaíma, “Heroe de nuestra gente” según dice su hermano al cogerlo en brazos. Ya de inicio vemos que nos encontramos ante un filme extraño, la mujer que da a luz está interpretada por un nombre y pare el hijo como si estuviera cagando. El hijo que sale resulta ser un hombre de unos 40 años, aunque todos lo vean como un bebé. Ese niño resulta ser algo extraño, tiene deseos sexuales de adulto, su principal diversión es cortar la cabeza a las hormigas y hasta los 6 años no habla, y cuando lo hace lo primero que dice es “Ay que pereza”, frase que no dejará de decir durante todo el metraje.



“Macunaíma” es a simple vista un filme surrealista, sin sentido, plagado de extraños personajes que deambulan por la pantalla sin saber exactamente lo que hacen ni porqué lo hacen. Una excentricidad de unos cuantos chalados que no tenían nada mejor que hacer que perder el tiempo haciendo el payaso detrás de la cámara. Bien, esa es la sensación que uno puede tener si se mira tan solo fragmentos de la película, o alguien con la mente cerrada que no sepa (o quiera) buscarle un sentido. A mi el cine “político” nunca me ha llamado la atención, me gusta el cine más en su sentido artístico que en el moral, pero cuando uno se encuentra ante un producto tan extraño como este, con unos elementos artísticos que llaman la atención y que además nos ofrece cuna caricatura de la condición humana, parodiando y satirizando hasta el exceso temas socio-políticos, como pueden ser la violencia o el racismo, uno hace una excepción y se traga la película aunque no comprenda ni la mitad de lo que querría.



Al decir que no comprendo ni la mitad de lo que quería entender, me refiero a que seguramente una persona informada sobre la situación política de Brasil en la época en que esta retratada la película, comprenderá mucho más algunas cosas que alguien como yo a quien no está informado. De esa forma lo que he hecho es quedarme más con el aspecto mitológico de la película, que es realmente lo que trataba la novela y descubrir así algunos de los mitos del folklore brasileño que antes no conocía. La película mezcla mitos reales con apócrifos (inventados por el autor o cambiados a su manera), de esa forma se nos muestran de forma más cómica. Para un estudioso del tema puede resultar fascinante la cantidad de elementos que recoge la película, para alguien que no sabe del tema simplemente le fascina la extrañeza y surrealismo con que se nos muestra cada uno de estos mitos. Por ejemplo, el mito de la transformación de niño a hombre, donde se nos muestra como Macunaíma se convierte en principe después de fumarse un porro y fornica con su cuñada, o el mito de la transportación mágica de la casa, donde vemos como Macunaíma transporta a su madre a un lugar donde tiene escondidos vívieres.



Espero no haberme puesto pesado contando todo esto, pero es que, al no ver ninguna reseña en castellano en ningún sitio me ha parecido interesante comentar estas cosas, me parece una buena forma de presentar esta extraña película a un público que no tenga constancia de su existencia. Así, si alguien se decide a verla lo podrá hacer con otros ojos, intentado buscar esos mitos de los que he hablado.



A parte de todo lo que he contado la película posee más o menos un argumento. Macunaíma y sus dos hermanos emigran a la gran ciudad después de la muerte de su madre en busca de un amuleto de la suerte. Macunaíma, negro de nacimiento se vuelve blanco por el camino al ser decolorado por una especie de geiser, eso hará que le sea más fácil la vida en la ciudad que a sus hermanos. Allí se enamorará de una guerrillera urbana y tendrá un hijo, que resulta ser negro y también adulto cuando nace. Ambos mueren al explotar una bomba que iba a usar la madre. Luego Macunaíma conoce a un magnate capitalista que es poseedor del amuleto e intentará arrebatárselo usando distintas estrategias.



La verdad que es complicadísimo hacer una sinopsis sobre esta película, lo mejor es verla y que cada uno capte lo que pueda. Hay muchas secuencias que me fascinaron, algunas por sus diálogos, otras por sus situaciones, y algunas por su técnica. Hay una secuencia dentro de un garaje en el que hay un juego con la cámara dentro de unos ascensores que es una gozada, todo perfectamente coordinado y rodado del tirón. También me encanta la secuencia del final, con unas bodas de sangre con una piscina plagada de cadáveres, macabro, surrealista y fascinante. Podeís ver ambos videos al final de la reseña.

Esta película no es apta para cualquier espectador, es un cine extraño, cercano a las primeras producciones de Alejandro Jodorowsky, Fando y Lis, La montaña sagrada o "El topo", aunque con un sentido del humor que no tenía el chileno. También puede recordarnos al cine de Buñuel, que usaba el surrealismo para describir algunas situaciones políticas.




Como curiosidad decir que en la época en que se estrenó “Mcaunaíma” no estaba permitido enseñar los dos pechos de una mujer en el cine, pero si uno. Hay un montón de escenas en las que se ve el pecho de una mujer, pero siempre uno, el otro se mantiene escondido, una extraña ley de censura como tantas otras. Seguramente si la censura hubiese comprendido algunas de las cosas que denunciaba la película tan siquiera se hubiese dejado estrenar, pero como tan solo se fijaban en si salía un pecho o dos pues pasó el tijeretazo si problemas.



“Macunaíma” no está disponible en dvd en español, tampoco creo que se haya emitido nunca por televisión. Por suerte desde clan-Sudamérica tenemos disponible la película con una buena calidad de imagen y con subtítulos en castellano

VIDEOS

Escena del parking



Escena de la piscina



Noticias, John Waters estrena serie televisiva, "Til Death Do Us Part"


Me acabo de enterar que John Waters va a estrenar una serie en televisión, al parecer se trata de diferentes episodios sin relación entre sí , una especie de "Tales form de Crypt", pero con historias sobre el matrimonio y las graves consecuencias que puede desencadenar. Crimenes, violencia humor negro y diversión es lo que a priori ofrecerá "Til Death Do Us Part", (hasta que la muerte nos separe). La serie consta de 5 episodios, John Waters actua en todos los ellos personificando a la muerte. El episodio pìloto está dirigido por el psicotrónico Jeff Lieberman. Los siguientes episodios son, "Funeral Parlo Murder", dirigido por el desconocido Ken Hankes, "The Pond Scum Murder", dirigido por Stephen Fanfara, autor de la estrambótica "Blood and Donuts", "The In-Law Murders", dirigido por David Warry-Smith, especialista en dirigir series de televisón, desde Kung-fu hasta Xena, y "A christmas Murder", también de Stephen Fanfara. En principio el piloto es el que más ganas tengo de ver, más que nada por el director, Jeff Lieberman, quién ha dirigido algunas películas que me han encantado, como "Blue Sunshine" o la reciente y desconocida por aquí "Satan´s little helper". Esperemos que John Waters haya tenido libertad y nos ofrezca una serie delirante como sus primeras producciones en cine. A ver si alguna cadena de televisión española compra los derechos y podemos verla por estos lares, si no es así siempre nos quedará la red para podernos hacernos con ella.

3 mar 2007

Cien de autor (03), Drugstore Cowboy (Gus Van Sant, 1989)

Ficha técnica

SINOPSIS

Estados Unidos, principios de los 70. Bob Hughes es el jefe de una banda de toxicómanos, integrado por su mujer, Diane, y otra pareja, Rick y Nadine. Viajan a lo largo y ancho del país atracando farmacias para cubrir su ’imperiosa necesidad’ de droga. A raíz de la muerte de Nadine por sobredosis, Bob se replantea su situación; decide rehabilitarse y comenzar una nueva vida. Las cosas, sin embargo, no le resultan sencillas, ya que se encuentra con la total incomprensión de su mujer y con la sombra de la tentación acechándolo día y noche.

COMENTARIO

Hay muchas películas que tratan el tema de la drogadicción, de entre la que he podido ver, las que mas me han gustado han sido Cristina F y Drugstore Cowboy, esta especie de Western urbano paranoico, plagado de anfetaminas y drogas industriales. El filme está basado en una novela autobiográfica de James Fogle y dirigido por Gus Van Sant, un autor polémico que seguramente tiene mas detractores que aficionados.

En “Drugstore Cowboy” Matt Dillon hace para mí la mejor interpretación de su carrera, aunque también me gustó en “The Outsiders”, (Rebeldes, Francis Ford Coppola, 1983), encarna a Bob, un ferviente consumidor de pastillas, que junto a su mujer, también muy bien interpretada por Nelly Lynch y otra pareja de, Rick Y Nadie, interpretada por Heather Graham, se dedican a atracar farmacias para hacerse con su suministro de pastillas.

“Drugstore Cowboy” se sitúa a principios de la década de los setenta, época en que se empezaron a usar las drogas sintéticas, después de unos años en que la marihuana era consumida por gran parte de la juventud y era ya considerada “light”, presentándonos así una especie de documento histórico sobre la evolución de las drogas.

Nos encontramos frente a un filme dramático, aunque su puesta en escena y algunas de sus secuencias puedan indicar lo contrario. Las reacciones que tiene el protagonista frente a las pastillas que toma son mostrados al espectador en forma de bolas de colores y sombreros voladores, algo que según como sea tomado puede infundir a la risa. Los “drogadictos” no son los típicos que podamos estar acostumbrados a ver, en ese aspecto no nos encontramos ante una película realista, todo parece demasiado limpio para ser real. De todas formas ahí es donde radica la gracia de “Drugstore Cowboy”; es una película de autor y como autor, Gus Van Sant otorga su propia perspectiva de la situación y le da un estilo personal y propio, ayudado de una fotografía con unas tonalidades extrañas que le dan un aspecto original y una buena puesta en escena con unos escenarios deprimentes que dan un toque de realismo a la película.

Como curiosidades decir que La farmacia atracada se encontraba en aquellos años en una zona marginal de Portland, ahora es la zona más moderna y vanguardista de la ciudad y que el escritor William S. Burroughs, conocido por su gran dependencia de la heroína, aparece en la película interpretando a un cura.

TRAILER


2 mar 2007

Cien de culto (03), ¿Qué fue de Baby Jane? (What Ever Happened to Baby Jane?, Robert Aldrich, 1962)

Ficha técnica

Ficha en abandodatabase

SINOPSIS

Baby Jane fue una niña estrella en su juventud, años despues su carrera fracasa mientras su hermana Blanche triunfa como actriz. En el presente ambas hermanas, ya de avanzada edad, viven juntas. Blanche, que está paralítica por un extraño accidente que sucedió en el pasado, vive prácticamente secuestrada y maltratada por Jane, que sufre grandes transtornos psicológicos.

COMENTARIO

“Qué fue de Baby Jane” es una de las mejores películas de terror psicológico rodadas jamás. Se trata de una de esas películas para pasarlo mal, en el buen sentido de la palabra claro está. Con este filme nos encontramos ante el mejor duelo interpretativo femenino de la historia del cine, con dos magníficas actrices que lo dan todo, Bette Davis en el papel de Jane Hudson y Joan Crawford interpretando a su hermana Blanche. De este duelo nacen chispas que saltan de la pantalla hacia el espectador que queda fascinado ante tal brillantez. Ambas actrices se odiaban en la realidad y eso hizo que sus papeles resultaran tan verídicos, además ambas se introdujeron totalmente en su papel, sobretodo Bette Davis que no se quería desmaquillar después del rodaje para que al día siguiente su aspecto fuera más tétrico.

A parte de estas brillantes interpretaciones, para regocijo del espectador, el filme posee un guión magistral, basado en una novela de Henry Farell y posee uno de los mejores finales que he visto. La fotografía es también exquisita, con un blanco y negro perturbador como pocas veces he visto, las luces y las sombras poseen una fuerza que llena la pantalla y aumenta la sensación dramática que ya de por sí es enorme. La dirección es soberbia, Robert Aldrich saca todo el jugo posible a esta historia perturbadora inyectándole un estilo personal y mostrando algunas escenas que para la época en que se estrenó eran realmente duras.

Las consecuencias de la fama, la vejez, las relaciones humanas, los celos, la soledad, los trastornos psicológicos, son algunos de los temas que trata “¿Qué fue de Baby Jane?, una obra maestra del séptimo arte, considerada una pieza de culto y para mí el mejor film de Robert Aldrich junto a “Hush…Hush, Sweet Charlotte”.

VIDEO HOMENAJE







Liquid Sky (Slava Tsukerman, 1982)

Ficha técnica Liquid Sky es una película de culto, de esas que tienen un montón de seguidores escondidos que la idolatran, entre los cuales ...